AUTORES y DRAMATURGIA: MARIANO CLEMENTE y VICTORIA CASELLAS
DIRECCIÓN: GONZALO FACUNDO LÓPEZ
INTÉRPRETES: VICTORIA CASELLAS y ATILIO OTERO
BAILARINES: LUCAS MARIÑO, LEANDRO ZANARDI, PABLO GABRIEL y GABRIEL MIRANDA
DURACIÓN: 60min
LA BADABADOC


No sólo de Grec vivimos los teatreros, cada vez son menos, pero hay salas que se atreven a programar en pleno mes de julio, como es el caso de que La Badabadoc, que durante los últimos dos fines de semanas nos ha vuelto a acerca el teatro argentino de pequeño formato. La sala de Gràcia que hemos descubierto esta temporada, con otra obra argentina La Sala Roja, se está convirtiendo en una sala imperdible para descubrir compañías autóctonas y argentinas.

Diario de una orientadora de sala nos sumerge en el mundo de los trabajos basura, aquellos que aceptamos mientras no sale otro mejor y que desmotivan al más paciente. En este caso la protagonista, Victoria acepta ser orientadora de sala en un museo, ocho horas de pie, sin apenas moverse, y con nada para hacer más allá de evitar que los visitantes traspasen la línea a la hora de ver el cuadro.

Victoria, mientras tanto, sueña con ser actriz y comparte su experiencia en una especie de diario de 140 caracteres vía Twitter. A través de sus acciones y sus tuits descubrimos la personalidad de la protagonista, muy argentina ella, en esta ocasión la red social será su terapeuta. La acompaña en escena el vigilante de la sala, que sirve para un roto y para un descosido de la poderosísima imaginación que despliega Victoria.

Diario de una orientadora de sala nos presenta a Victoria Casellas, una actriz todoterreno que literalmente se deja la piel en el escenario. Obra hecha por ella y para ella, sus 60 minutos son un auténtico terremoto escénico, mayoritariamente en forma de monólogo. Pero, la realidad también está llena de momentos surreales, y el montaje tiene unos cuantos porque, ¿a quién no le gusta soñar despierta?

Al contrario de lo que le pasa a la orientadora de sala, se aburre como una otra, el público de Diario de una orientadora de sala, empatiza con la protagonista y pasa una hora de risas, interrumpidas por algunas cuestiones, que quizás no sean tan cómicas. Aunque en esta vida se pueda una reír de casi todo.

Seguro que como yo, muchos estarán deseando descubrir la nueva temporada de La Badabadoc, a ver qué nos depara el otoño. Ganas de descubrir otras pequeñas joyas del teatro argentino actual.
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AUTORÍA: MARIA MOLINS y BÁRBARA GRANADOS
DRAMATURGIA: JOAN MARIA SEGURA, BÁRBARA GRANADOS y MARIA MOLINS
DIRECCIÓN: JOAN MARIA SEGURA BERNADAS
COMPOSICIÓN MUSICAL: BÁRBARA GRANADOS
INTÉRPRETES: MARIA MOLINS, BÁRBARA GRANADOS, DICK THEM y MIQUEL MALIRACH
DURACIÓN: 80min
FOTO: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA, SALA MUNTANER y VELVET EVENTS S.L.
SALA MUNTANER (GREC 2017)


Esta edición del Grec 2017 la he acabado en sala y en lo que se denomina Grec Ciutat. Después de dramas, comedias y experiencias de todo tipo, me sumergí en el mundo del cabaret. Esa ansiada y recordada Barcelona de los años 20 y 30, donde el Paral·lel era un Broadway en pequeño. Maria Molins y Bárbara Granados recuperan su esencia en clave femenina y al mismo tiempo por las tablas de la Muntaner se pasean un sinfín de personajes: Maria Aurèlia Campany, Mary Santpere, Ángel Pavlovsky, Guillermina Motta… y si nos descuidamos Shakespeare, y no no es muchos descuido, el Bardo inglés hace acto de presencia. Nada parece estar reñido con el cabaret.

Para los que hemos seguido con más o menos asiduidad la carrera profesional de Maria Molins, sabemos que la llaman para hacer dramas, algunos de esos de cortarse las venas, no hay nada más que pensar en su personaje la Purga (TNC. Dir. Ramon Simó). Se podría decir sin miedo a equivocarse que en CabaretA se desmelena. Sorprende verla interpretar personajes, situaciones tan cómicas. Es todo un alivio, y realmente el punto musical del espectáculo acentúa la parte cómica de las escenas de texto y los geniales movimientos aportados por una dramaturgia y dirección de todo un conocedor en este tipo de género, Joan Maria Segura. Se nota su toque, su aportación al montaje, el ritmo que le ha otorgado, sobre todo para controlar las transiciones, que en este tipo de montajes son uno de los momentos clave.

Bárbara Granados es el contrapunto multidisciplinar del montaje. No sólo aporta una interesante banda sonora (acompañada de Miquel Malirach y Dick Them), con algunas genialidades como la adaptación magistral del Bohemian Rapshody de Queen, que en su versión hablará entre otras cosas de la corrupción catalana. También cabe destacar su aportación entre canción y canción, cómo hacer música con unos instrumentos ‘especiales’.

CabaretA es un espectáculo con alto contenido crítico. Nadie está a salvo: Rajoy y sus problemas lingüísticos, la gente tóxica que nos rodea, los homófobos (brillante y surrealista la historia de Evaristo), el papel de las mujeres en las artes escénicas a nivel Catalunya, la Castor, los cursos de formación de Andalucía, el referédum o el sorprendente momento de los Días Mundiales de algo… 

Dos semanas se quedan cortas para que el público se pueda deleitar con un cabaret poco convencional como el que se han marcado Maria Molins y Bárbara Granados. CabaretA es un espectáculo de teatro - concierto con grandes dosis de humor que se merece una temporada más larga en las tablas barcelonesas. Verano y vacaciones mediante para que en septiembre con la llegada del otoño sea posible encontrarlo otra vez en las salas. ¡Qué viva el cabaretA!

CABARETA

by on 18:48
AUTORÍA: MARIA MOLINS y BÁRBARA GRANADOS DRAMATURGIA: JOAN MARIA SEGURA, BÁRBARA GRANADOS y MARIA MOLINS DIRECCIÓN: JOAN MARIA SE...
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DIRECCIÓ ARTÍSTICA y CREACIÓN: CIA KAMCHÀTKA / ADRIAN SCHVARZSTEIN
REGIDOR DE LA COMPAÑÍA: LAURENT DRISS con la ayuda de JORDAN MAIA
AUTORIA: CIA KAMCHÀTKA
INTERPRETACIÓN: CRISTINA AGUIRRE, MAÏKA EGGERICX, SERGI ESTEBANELL, CLAUDIO LEVATI, ANDREA LORENZETTI, JUDIT ORTIZ, LLUÍS PETIT, JOSEP ROCA, EDU RODILLA, SANTI ROVIRA, GARY SHOCHAT y PRISCA VILLA
CON LA PARTICIPACIÓN ESPECIAL DE: JAN ESTEBANELL, LEO FERRER, JOAN RODILLA, CARLOTA y EMMA ROVIRA
DURACIÓN: 90min aprox
FOTO: SYLVIE BOSC
PRODUCCIÓN: CARRER88, S.L.
MERCAT DE LES FLORS- POBLE SEC (GREC2017)  

Cada tipo de teatro tiene o ha de tener su público. El teatro inmersivo, aquel que sumerge al espectador en una aventura o experiencia diferente a lo que sería sentarse en una platea y dejar que algo pase en el escenario. Mi gran experiencia de este tipo la viví en Nueva York, con Sleep no more me quedé sin palabras. 

Fugit, repite esta fórmula de teatro en el que actor y espectador se funden. Un espectáculo itinerante por las calles y diferentes espacios de Poble Sec, en este caso, pero que se va adaptando allí por donde va. En este caso espectadores y actores se convierten en fugitivos y se dedican a huir.

Gracias a esta huida podremos descubrir el sentido de la fraternidad, la solidaridad y a vivir cautivos, siempre alerta de lo que pasará después. Poco a explicar realmente de la experiencia porque estas cosas son difíciles de explicar con palabras y es mejor vivirlas en primera persona. 

Eso sí, no sólo hay que ser una persona con buena movilidad y depende del momento con buen fondo físico, sino es necesario tener una confianza bastante desarrollada y no vale tener miedo a las alturas o claustrofobia. Lo que sería mi caso, quizás si hubiera ido prevenida, hubiera resultado diferente, porque esa parte me resultó un tanto dificultosa.

Fugit es un espectáculo que depende mucho de la respuesta del público, que necesariamente tiene que estar dispuesto a participar sin mediar palabra. No apto para todos aquellos que la confianza nos falle y no nos permita disfrutar con libertad de la experiencia. Las bicicletas son para el verano, pero Fugit requeriría más un tiempo diferente. El calor no ayuda a huir. Dos días después, creo que, a pesar del gran trato que las personas “especiales” tuvimos por parte de la organización, los nervios y miedos me jugaron una mala pasada.

FUGIT

by on 17:26
DIRECCIÓ ARTÍSTICA y CREACIÓN: CIA KAMCHÀTKA / ADRIAN SCHVARZSTEIN REGIDOR DE LA COMPAÑÍA: LAURENT DRISS con la ayuda de JORDAN MAI...
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CONCEPTO y DIRECCIÓN: JAMES THIERRÉE
INTERPRETACIÓN: SONIA “SONYA” BEL HADJ BRAHIM, OFÉLIE CRISPIN, SAMUEL DUTERTRE, HERVÉ LASSÏNCE, THI MAI NGUYEN y JAMES THIERRÉE
BESTIARIO: VICTORIA THIERRÉE
ESCENOGRAFIA y MÚSICA: JAMES THIERRÉE
DURACIÓN: 90min
FOTO: RICHARD HAUGHTON
TEATRE LLIURE (SALA FABIÀ PUIGSERVER, GREC 2017)

Ha tardado en llegar pero por fin llegó, el ESPECTÁCULO (sí en mayúsculas) del Grec2017 será La Grenouille avait raison. James Thierrée volvió a cautivar al público que llenaba a rebosar la platea de la Sala Fabià Puigserver. A la entrada un enorme telón de terciopelo rojo tapa la magia, los ojos como platos nada más que “sube” el telón y se destapa todo lo que escondía. Un universo mágico se presenta ante nuestras miradas atónitas y desde ese minuto nos convertimos en niños inocentes curiosos de ver que nos depara en el minuto siguiente.

La grenouille avait raison es un espectáculo lleno de misterios. La rana de James Thierrée nos conducirá hacía un viaje subterráneo donde diversos personajes nos muestran estampas humanas llenas de curiosidad, revancha, traición, corazones rotos y todo con un toque de absurdidad y grandes dosis de surrealismo.

Un mundo de sueños; de aspiraciones, una bien grande: salir de donde nos confina el mundo; romper barreras interpuestas... Thierrée lo consigue, sus 90 minutos de belleza elevada al máximo consiguen que salgamos de nuestra vida, incluso por momentos de nuestro cuerpo y admiremos los seres y sus vidas que pueblan el escenario.

Lo que no es de este mundo es la manera de moverse de los personajes. Espectacular el movimiento corporal (sincopado) y el amplio abanico gestual de la compañía de Thierrée, todo un conjunto de técnicas a medio camino entre el mundo el títere y el hip-hop (robot). La grenouille avait la raison es una mezcla de teatro, teatro de gesto, clown, danza, circo y humor absurdo, todo en su justa medida, una composición de espacio y tiempo magnífica.

Sin palabras delante de lo que sin duda es una de las escenografías más impresionantes que he visto en un teatro (no operístico ni musical). Es un de esos montajes que se deberían ver dos veces, uno desde platea y otro entre ‘cametes’ para quedarse maravillado con los recursos técnicos que requiere el montaje. ¿Quién mueve todos los hilos y/o cables que se visualizan desde platea? Impresionante.

Como se dice en inglés one lifetime show, eso es básicamente lo que sentí a la salida de La grenouille avait raison. Un espectáculo de esos que se te quedan en la piel y el cabeza para siempre. Sólo maldigo a la rana por haberme despertado, con lo bien que se estaba soñando en los mundos que dibuja James Thierrée. Hacía mucho tiempo que era tan feliz en una platea. Bestial. 
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DIRECCIÓN ARTÍSTICA y COREOGRAFIA: KADER ATTOU
INTÉRPRETES: SIM’HAMED BENALIMA, FOUAZ BOUNECHADA, AMINE BOUSSA, MABROUK GOUICEM, RACHID HAMCHAOUI, SALEM MOUHAJIR, CHAOUKI SAÏD y HICHEM SÉRIR ABOALLAH
MÚSICA: MANUEL WANDJI
DURACIÓN: 60min
FOTO: JOAO GARCIA
PRODUCCIÓN: CIE ACCRORAP-DIRECTION KADER ATTOU
MERCAT DE LES FLORS (MAC, GREC 2017)

La inmigración como punto de partida y de final. Douar nos habla de esos inmigrantes que han conseguido el sueño, algunos ya de segunda generación que desde el confort de su casa en un país occidental como puede ser Francia miran con anhelo lo que pasa en su país de origen, Algeria. Las danzas urbanas son el lenguaje vertebrador para explicar la historia de estos jóvenes de diferentes países pero con algo en común, viven en un país, donde sueñan con la libertad y el ascenso social pero sueñan con el país de sus padres.

La sala MAC se nos abre con un letrero luminoso, un anuncio de locutorio en francés que anuncia las maneras de comunicación con el país de sus sueños. Poco a poco de él van surgiendo los nueve bailarines de la pieza. Rap, Hip-Hop, todo un serial de danzas urbanas, combinadas en determinados momentos con algún momento de teatro de gesto. Poderosísima capacidad de sorprender al público con las acrobacias de este tipo de danza.

Se combinan momentos con un ritmo más rápido, pero también momentos en los que se necesita tocar la fibra. El principal es el momento donde la inmigración se ha hace más visible en modo paquete/maleta envuelta y atada con cinta de embalaje. Su travesía por el desierto, ese que tanto a costado alcanzar y que cada uno vive a su manera, con mayor o menor resignación, con más o menos aceptación.

Se echa de menos algún personaje femenino en un elenco totalmente masculino. El papel de la mujer en la inmigración vuelve a quedarse en un segundo plano. Como ya pasó en el caso de Halka (en aquel caso había dos mujeres), aquí directamente se interpreta en masculino. En la ficha artística quedan relegadas al diseño de vestuario.

Douar son sesenta minutos intensos de entretenimiento para aquel espectador que no necesite ir más allá, pero que dan que pensar. Un más que interesante discurso entre medias de las diferentes disciplinas de danza. Uno de los dos espectáculos de danza más interesantes de este Grec 2017, juntamente con We love arabs, que han conseguido convencer con un discurso que transpasa la danza.

DOUAR

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DIRECCIÓN ARTÍSTICA y COREOGRAFIA: KADER ATTOU INTÉRPRETES: SIM’HAMED BENALIMA, FOUAZ BOUNECHADA, AMINE BOUSSA, MABROUK GOUICEM, ...
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AUTORÍA, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ITSASO ARANA y CELSO GIMÉNEZ
INTERPRETACIÓN: ITSASO ARANA, FERNANDA ORAZI y PABLO UND DESTRUKTION
VOCES: ROBERTO BALDINELLI, JAVIER GALLEGO, MIREN IZA, EDUARDO G. CASTRO y ADRIANA SALVO
DURACIÓN: 85min
FOTO: MARIO ZAMORA
PRODUCCIÓN: FESTIVAL DE OTOÑO A PRIMAVERA DE MADRID, LAS NAVES. ESPAI DE CREACIÓ DE VALÈNCIA y LA COMUNIDAD DE MADRID
MERCAT DE LES FLORS (SALA OM, GREC 2017)

Desconcertada tras ver uno de los montajes más esperados de este Grec 2017. Y no porque no fuera sobre cine. El título hace referencia a kiné, que en griego quiere decir movimiento. El mismo que empuja al protagonista a buscar sus orígenes. Sino porque por muy preciosista que puede parecer el montaje desde fuera y lo interesante del tema, la dramaturgia se ha quedado a medio camino, en un quiero pero no puedo.

Cine habla de uno de los más de 300.000 casos de niños robados en España entre 1930 y 1980. Una historia como hay miles, pero en la que su protagonista que al igual que el espectador inicia su viaje para saber quiénes son sus padres biológicos y ese viaje es el espectáculo. De Madrid a Donostia, Italia y Barcelona. Entre medio de la historia principal, otras historias y el público mientras tanto disfruta de la más que notable banda sonora del espectáculo.

Una mezcla entre imaginación, realidad y ficción que desde la platea, a veces, es preciosista, a pesar de la tragedia, de la falta de respuestas que recibe el protagonista, y de aquellas respuesta que hacen daño. Historias que durante años se han escondido y que a pesar de haber salido a la luz, no importan a la mayoría de los que podrían aportar un poco de luz entre tanta oscuridad.

Desde la primera sorpresa que se lleva el público nada más entrar en la sala, veremos todo el espectáculo con unos cascos (headphones) puestos, una decisión que más allá de subrayar la incomunicación que sufre el protagonista buscando respuestas a su situación no es demasiado entendible. Entre la escena y la platea también existe un telón transparente que nos deja entrever las diferentes acciones, pero que da la sensación de estar viendo cine, de esa especie de pantalla que no buscas cuando lo que quieres es disfrutar del teatro. Definitivamente son dos elementos que alejan al espectador de lo que llamamos magia del teatro.

La misma pantalla nos deja apreciar la multiplicidad de capas que tienen los personajes que interpreta, una siempre brillante Fernanda Orazi, que no vemos tanto como nos gustaría por tierras barcelonesas. Es una pena que, por ejemplo, la escena de la cafetería queda lejos de los ojos del espectador, al fondo del escenario de la OM, me hubiera encantado poner cara a lo que sólo fueron palabras, y eso que estaba sentada en la quinta fila, no me quiero imaginar si hubiera estado en la última.

La disposición de los elementos en el escenario es difícil de explicar en un espectáculo que ganaría mucho con la cercanía del público. Al igual que es difícil de discernir el porqué de la dramaturgia. Si bien es cierto que se basa en una historia real, no entiendo que esté tan poco vestida. Ya no sólo de la manera abrupta que tiene de acabar, que porque el intérprete de la canción final te dice que el espectáculo ha acabado sino seguirías esperando que alguien colgara el The End. 

No sólo le falta ritmo, cosa que es evidente, en casi 90 minutos se pueden explicar uno y mil casos, sino también profundidad, es como si se pasara por la historia de puntillas. Una cosa es que sea un tema delicado y otra bien diferente es que lo cubramos todo con un velo que sólo nos deje ver parte de la historia. Ritmo, profundidad y crítica. El dramaturgia pasa de puntillas por la historia y se moja tan poco que ni siquiera se atreve a juzgar o a provocar al público para que juzgue por sí mismo. Si una de las funciones del teatro es la de provocar preguntas o cuestionar ciertos temas, Cine me ha dejado con el símbolo de pregunta bien abierto.

CINE

by on 20:06
AUTORÍA, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ITSASO ARANA y CELSO GIMÉNEZ INTERPRETACIÓN: ITSASO ARANA, FERNANDA ORAZI y PABLO UND DESTRUKTION...
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