un espectáculo de MICHÈLE ANNE DE MEY, JACO VAN DORMAEL y el colectivo KISS & CRY
textos de THOMAS GUNZIG
en creación colectiva con GRÉGORY GROSJEAN, THOMAS GUNZIG, JLIEN LAMBERT, SILVYE OLIVÉ, NICOLAS OLIVER
con la participación de THOMAS BENI, GLADYS BROOKFIELD-HAMPSON, BORIS CEKEVDA, GABRIELLA LACONO, AURÉLIE LEPORCQ, BRUNO OLIVER y STEFANO SERRA
y en gira con MANUELA RASALDI, NORA ALBERDI, GRÉGORY GROSJEAN, HARRY CLEVEN, JULIEN LAMBERT, PIERRE DE WURSTEMBERGE, BORIS CEKEVDA, YANN HOOGSTOEL, IVAN FOX, STEFANO SERRA, THOMAS DOBRUSKÈS y THOMAS COTTOM
duración 1h 15min
fotografía JULIEN LAMBERT
producción ASTRAGALES ASBL
FESTIVAL TNT

Podría comenzar diciendo What a f*cking maravilla! y a partir de ahí un seguido e interminable enunciado de adjetivos para describir todo lo que se me pasaba por la cabeza mientras veía y disfrutaba como una niña con zapatos nuevos, pero mejor intentar explicar lo que mis ojos vieron sin necesidad de recurrir a un diccionario.

No es la primera vez que vemos cine en teatro (este Grec Katie Mitchell nos maravilló con Ombra (Parla Eurídice), que el teatro de objetos se vuelve descomunal y nuestros ojos son los que deciden si ver el making of o ver el metraje ya montado. Una road-movie que signan los miembros del colectivo Kiss&Cry con una puesta en escena espectacularmente milimetrada donde no hay un plano superficial sino que maqueta tras maqueta provoca que el público se quede boquiabierto.



Nunca unas manos dieron tanto juego y dejaron de dibujarse como meras extremidades para acabar siendo formas y figuras hasta ahora impensables. Preciosidad artística pero donde la técnica tiene todo a ganar. Las cámaras que pueblan el escenario y que incluso ponen a prueba el ojo humano.

El espectáculo narra siete posibles maneras de morir. Pero no sólo se pone a prueba la vista, sino también el oído gracias a una narración, en el TNT en catalán, que relata cada una de esas 7 manera de manera totalmente inversemblante, no ya en la forma de narrar sino más bien en el fondo, en la manera en sí. La voz es una pincelada más al surrealismo escénico de las imágenes.

Cold blood es una preciosidad escénica. Todo un trabajo de artesanía que entra por los ojos pero que explota directamente en el corazón. Casi la totalidad de la platea, desde el primer bis, puesta de pie para aplaudir con unas manos similares a las que nos han ofrecido durante la velada. What a f*cking maravilla!

COLD BLOOD

by on 20:49
un espectáculo de MICHÈLE ANNE DE MEY, JACO VAN DORMAEL y el colectivo KISS & CRY textos de THOMAS GUNZIG en creación colectiva ...

dirección y creación ANA VALLÉS
intérpretes MÒNICA GARCÍA, NÚRIA SOTELO, CELESTE GONZÁLEZ, RICARDO SANTANA, ÒSCAR CODESIDO y ANA VALLÉS
coreografías MÒNICA GARCÍA, NÚRIA SOTELO, CELESTE GONZÁLEZ y RICARDO SANTANA
duración 1h 30min
fotografías RUBEN VILANOVA
producción MATARILET TEATRO
FESTIVAL TNT

El arte de lo grotesco. Un viaje al underground del Nueva York de los años 70, pasado por la pátina de las primeras películas de Pedro Almodóvar. Escenario en forma de U, donde el público se ve cara a cara con los artistas. Atmósfera de un rojo deslumbrante que aumenta la presencia de un estado de ánimo con cierto toque de petardeo.

Los diferentes seres que pueblan este cabaret circense, más de los primero que de lo segundo, todo sea dicho, entran y salen de la pasarela escénica lanzando consignas para sustentar la necesidad de su presencia. Quererse o dejarse querer, la libertad de ser quien eres, los sueños (los tuyos y los de la persona de al lado), cuidado con lo que deseas.



Este conjunto de bichos raros se niegan a abandonar, estas pulgas no quieren bajarse del trapecio, buscarán los motivos más extraños para seguir paseándose por escena. Circo de pulgas es una crítica ácida a los bajos fondos sociales y a su presencia en la esfera pública. A aquellos que nacieron para ser estrellas pero que la sociedad les convirtió en seres estrellados. ¿Rendirse o volver a empolvar sus mejillas y seguir saltando?

Lejos de caer en lo light más común del petardeo común, Circo de pulgas tira de enciclopedia cultural, la representación de un cuadro de Rembrandt (Lección de Anatomía del Doctor Nicolaes Tulp) o de un típico bodegón. Todo perfecto hasta que aparece Celeste González paseando su cuerpo desnudo, simplemente leaving the hat on e intentando incomodar al público sobre su naturaleza. Quizás la parte que por desvirtuada más prescindible. Porque ya que estamos en los 80's, A quién le importa.



De seres "anómalos" está la tierra llena, y aunque el discurso y la crítica que esconde el espectáculo es interesante y más en la época donde el 'tapón generacional' está en boca de todos, a la puesta en escena le sobra texto, hubiera sido más recomendable observar más momentos de cuadro mudo donde se pudiera afirmar sin lugar al error aquello de más hechos y menos palabras

La mejor parte de la pieza es cuando más canalla se pone, la parte más onírica, de pesadilla es eclecticismo en estado puro, el arte de la sugerencia sin necesidad de pronunciar una sola palabra. Todo este circo para afirmar que no hay nada nuevo bajo el sol y simplemente vuelve a mi cabeza una y otra vez, aquello de ¡malditos 80's!

CIRCO DE PULGAS

by on 19:56
dirección y creación ANA VALLÉS intérpretes MÒNICA GARCÍA, NÚRIA SOTELO, CELESTE GONZÁLEZ, RICARDO SANTANA, ÒSCAR CODESIDO y ANA VALLÉ...

creación e intérpretes DAVID FERNÁNDEZ y MAUREEN LÓPEZ
concepto, producción y vídeo DAVID FERNÁNDEZ
duración 60min
fotografías JERÓNIMO ÁLVAREZ
FESTIVAL TNT

Y si la búsqueda del placer de mirar y ser mirado de la anterior pieza, A nation is born in me, nos había parecido poco, No future yes amplia el rango y nos somete a la omnipresencia de las pantallas. Vivimos mirando para una, del tamaño que sea, casi todas nuestras relaciones personales pasan por tener una de ellas en las manos. Y, ahora además de pantallas tenemos robots, como mascotas, como seres animados que no necesitan más que batería para seguir haciendo todo aquello que les ordenemos que hagan. ¿seguimos siendo dueños de nuestras vidas? ¿somos nosotros los que les mandamos o son ellos los que nos dominan?

El tecnópata David Fernández demuestra sus habilidades en escena, ya no sólo con un sorprendente manejo de las 3 tabletas (la marca de la manzana todavía no paga las críticas) sino moviendo el pequeño robot araña, que aunque no te gusten este tipo de insectos, te acabará por caer hasta gracioso su versión tecnológica. 

La performance es una crítica continua a nuestro futuro rodeados o inundados de tanta tecnología, nos acabaremos convirtiendo todos a lo que ya parece más una secta que una manera cualquiera de actuar. ¿dónde están los límites en su uso? Es esto lo que pone de relieve una pieza donde sus límites los debe marcar el presupuesto, ya que la versatilidad de quien los maneja no parece querer acabar nunca el proyecto.

Quizás no sea necesario volcar en todos los espectáculos las infinitas posibilidades tecnológicas de las que disponemos, qué futuro nos espera si substituimos las experiencias de piel por el plástico de cualquier robot. ¿dónde queda la esencia? Y aunque la experiencia es interesante, una servidora prefiere seguir con espectáculos de carne y hueso.

NO FUTURE YES

by on 15:27
creación e intérpretes DAVID FERNÁNDEZ y MAUREEN LÓPEZ concepto, producción y vídeo DAVID FERNÁNDEZ duración 60min fotografías JER...

idea, texto, creación e interpretación SOREN EVINSON
música DANIEL PAPELL
acompañamiento dramatúrgico FLORINE LINDNER
duración 60min
fotografía MARTA GARCIA
producción FESTIVAL TNT-TERRASSA NOVES TENDÈNCIES, LE PHÉNIX VALENCIENNES, ANTIC TEATRE y KULTURFABRIK
FESTIVAL TNT

El placer como síntoma, como meta, como única cosa que nos mueve y que aspiramos tener. El placer como la bestia que nos atrapa como la droga más adicta de todas. El blanco como elemento catalizador de una inocencia desdibujada inunda el escenario. Mientras el onanismo escénico is about to start, bitches!

Con una fiscicalidad espeluznante Soren Evinson se exhibe ante su público, sólo por el placer de mirar, sólo por placer de ser visto. Una crítica de la tan imperiosa necesidad humana de ser ad-mirado. La sociedad que valora la imagen por encima de todo, que busca incansablemente un disfrute fácil y que vive por y para el exhibicionismo y la pose (postureo). Y es, quizás en este punto, donde la performance desvirtúa su objetivo  y recurre/ insiste en exceso en la actitud de la pose.

Mientras esperamos que la bestia vuelva a escena, la pieza tira de épica al enarbolar la bandera, aquella (sea la que sea) en la que nos sentimos protegidos porque nos "identifica como personas". Amor y odio se dan la mano, discuten, se pelean y todo por un sueño, por una meta, por ser alguien, por ser... como todos. 

A NATION IS BORN IN ME

by on 14:40
idea, texto, creación e interpretación SOREN EVINSON música DANIEL PAPELL acompañamiento dramatúrgico FLORINE LINDNER duración 60m...

creación TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ y LAIDA AZKONA GOñI
dramaturgia TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ 
coreografia LAIDA AZKONA GOñI
intérpretes TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ y LAIDA AZKONA GOñI
duración 1h 30min
fotografías MARTA GARCÍA
producción FESTIVAL TNT-TERRASSA NOVES TENDÈNCIES, ANTIC TEATRE DE BARCELONA y AZKONA-TOLOZA
TEATRE ALEGRIA (FESTIVAL TNT)

¿Qué tiene en común los mapuches argentinos con la marca de ropa Benetton? A través de una dilatada narrativa dramaturgica, mucho más de lo que nos podíamos esperar en un primer momento. Tierras del Sud pone sobre la mesa el problema de la colonización que en pleno siglo XXI sigue más presente que nunca. Aunque la época de Colón parece olvidada en las cabezas de los profesores de historia, los colones actuales son mucho más poderosos y sanguinarios que los del siglo XV.

Txalo Toloza y Laida Azkona basan la pieza en una amplia explicación de cómo esta colonización está muy arraigada en nuestras conciencias que no somos capaces de distinguirla y cómo las cloacas de los estados la acogen con los brazos abiertos. Datos y más datos que pasan por nuestros ojos y mentes sin necesidad de arraigo simplemente como cualquier cosa que escuchemos durante el día. La dramaturgia textual necesita encontrar el concreto para no disiparse.



Los testimonios de los afectados, de las víctimas de este sistema capitalista voraz en el que estamos instalados se intercalan con una profunda dosis de soliloquios de los intérpretes mientras construyen pequeños poblados en escena. La parte más audiovisual de la pieza es proyectada como telón de fondo de la explicación principal.

La performance sentencia nuestras consciencias con frases tan poderosas como "el verdadero problema es aquel que no se ve". Un sinfín de balas que pretenden ametrallar a un establishment que ni se inmuta. Ya lo dijo Thomas Hobbes "el hombre es un lobo para el hombre". Ponte los cascos y escucha, ¿o no?

TIERRAS DEL SUD

by on 14:02
creación TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ y LAIDA AZKONA GOñI dramaturgia TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ  coreografia LAIDA AZKONA GOñI intérpretes ...

música original JEANINE TESORI
libreto y letras LISA KRON
basado en la novela gráfica de ALISON BRECHDEL
adaptación al catalán DANIEL ANGLÈS y MARC GÓMEZ
direcció DANIEL ANGLÈS
direcció musical MIQUEL TEJADA
coreografia ÒSCAR REYES
intérpretes MARIONA CASTILLO, DANIEL ANGLÈS, PILAR CAPELLADES, CLARA SOLÉ, JÚLIA JOVÉ, MARC ANDURELL, LARA KATE ALBERTOS/NOA FLORES/MARIONA LLEONART, FERRAN ALEGRE/ ALEIX COLOMER / DANIEL PÉREZ, MIQUEL CAMPS/ JAN GAVILAN/ STEL˙LA TARRADELLAS
duración 1h 40min
fotografías ÀGATA CASANOVAS
producción NO DAY BUT TODAY
ONYRIC-TEATRE CONDAL-

Una cosa está clara si hubiese más musicales del calibre y producción de Fun Home habría muchos más musical lovers, los escépticos de "a mi sólo me gustan los de West End y los de Broadway", como una servidora, desaparecerían o se tendrían que morder la lengua.  
Un musical basado en hechos reales y en un cómic de Alison Brechdel en el que se explica la infancia y la época de la universidad de su autora. Época de aceptación y de fantasmas del pasado que aparecen para saldar cuentas. Y aunque el protagonismo recae en su figura, al lado emerge otra muy importante, su padre del que comienza a conocer todo un pasado oscuro que no le habían explicado hasta entonces.



Fun Home cuenta con una producción muy bien cuidada, olvidaros de las escenografías de cartón piedra que decoran a muchos musicales autóctonos, la impresionante casa-museo, diseñada por Raquel Ibort, Marc Salicrú y Marc Udina, que se nos muestra nada más levantar el telón nos deja boquiabiertos. De la misma manera que el tándem tan necesario de diseño de iluminación de Xavi Costas y sonido de Jordi Balbé. Todo un viaje visual a los años 70 donde en los que tiene lugar la infancia de la protagonista.

Mariona Castillo, que estamos acostumbrados a verla en propuestas musicales de pequeño formato, dibuja a la perfección la Alison adulta y nos conduce por las diferentes etapas de la protagonista. Su voz acompaña a uno de los descubrimientos de la noche, Clara Solé, la Alison joven. A Solé ya habíamos visto en otros musicales como El Despertar de la primavera o Tot el que no ens vam dir pero en esta ocasión su etapa del personaje es la que más toca la fibra, cómo es capaz de transmitir la pérdida de una inocencia a nivel emocional y cómo asumir la caída de uno de los primeros mitos vitales, la figura paterna.



Daniel Anglès se auto dirige como la figura paternal de la obra. Un personaje que a pesar de quedar en un segundo plano, porque la protagonista es Alison, camina con cierta dificultad por no caer en un estereotipo manido. En determinadas escenas parece que le falta auto convencimiento de sus propias palabras. Sus mejores momentos aparecen cuando el baúl de los secretos ya se ha abierto de par en par y el final es inevitable.

La inauguración del proyecto Onyric que dirige el mismo Anglès no podía tener mejor carta de presentación. Esperemos que el siguiente plato sea igual de gustoso que el entrante. Tenemos ganas de volver a sentarnos en las cómodas butacas del Condal y poder afirmar que hoy, Londres queda un poco más cerca.

FUN HOME

by on 18:55
música original JEANINE TESORI libreto y letras LISA KRON basado en la novela gráfica de ALISON BRECHDEL adaptación al catalán DAN...