En 1984 apareció en Milan la revista Per lui (del grupo Conde Nast, paralela al canónico Uomo Vogue) y su primera portada de impacto fue una foto en blanco y negro de Alessandro con el pelo tenido de platino. Fue un boom; dicen los estudiosos milaneses del sector que allí empezó en verdad la metrosexualidad. Figura mediatica a la vez que actor de carácter, Alessandro Gassman estrena con Immanuel Kant su segundo trabajo como director, y es la primera vez que se involucra en un proyecto en que no sale a escena. Coproducido por el Teatro Stabile del Veneto, la obra se presenta como un reto de gran producción con elementos escenográficos innovadores y una plantilla de reconocidos actores de prestigio que ya antes han formado equipo con Gassman.

PREGUNTA: Su portada del Per lui de 1984 aparece ahora en los libros de historia de la moda italiana. ¿Aquello fue su despegue definitivo, su ruptura umbilical al menos en el terreno artístico?

RESPUESTA: No tanto. Lo recuerdo con agrado, aquella época de despegue... la culpa en el fondo de aquel pelo teñido era de Pier Paolo Pasolini, me puse rubio para hacer Affabulazione.

P: Y ahora usted ha codirigido un documental sobre su padre en que aparece un fragmento muy antiguo también en blanco y negro de Vittorio con el mismo pelo rubio a lo Hollywood: el parecido es asombroso.

R: Sí. Mi padre se puso rubio para hacer un papel de joven americano. Como era tan moreno y latino idearon que la mejor manera de parecer americano era con una cabeza platinada.

P: Hablando de Hollywood, en su Immanuel Kant los dos personajes femeninos están encarnados por hombres travestidos, a la manera de Con faldas y a lo loco, el filme clásico de Billy Wilder con Tony Curtis y Jack Lemmon, de hecho la estética es similar en muchas cosas (pelucas, trajes, comportamiento histriónico).

R: Cierto, hay esa referencia y hay esas claves, no lo niego. Piense usted que yo hice en teatro musical ya hace tiempo Con faldas y a lo loco. La clave principal está en llevar el texto de Bernhard al terreno del cómico-grotesco, algo que no se había hecho antes, un estilo que para mí es una novedad y un experimento. Y es que en Bernhard todo es un poco falso siempre.

P: Lo que en cierto sentido lo hace más soportable, sin eludir lo siempre polémico que puede ser Bernhard.

R: No sé en España, pero en Italia Thomas Bernhard se representa muy poco. Ahora mismo en Viena y París hay espectáculos basados en sus obras que son un éxito de cartel, con críticas estupendas. Y en cuanto a su carácter polémico, siempre roza el anárquico, se mueve en esa linea donde está también la provocación incisiva.

P: ¿No tuvo esta vez la tentación de subirse al escenario?

R: Todos los días, todos los ensayos. Mire, ayer en el estreno, mientras seguía la representación desde la mesa de luces, me tenía que contener. Mi sitio original está allí arriba.

P: ¿Y qué le animó a adentrarse en Bernhard?

R: Yo ya había hecho el Garibaldi, y en Italia hay una falta real y dramática de autores teatrales. El público va a los teatros una vez que comprueban qué actores figuran en el afiche. Esa es una verdad incontestable. El tirón no lo dan los autores, sino la fama del actor.

P: ¿Y esa crisis de autores tiene responsables?

R: En cierto sentido el mundo de los teatros estables, que no tienen el coraje del riesgo y que viven de los cambios cíclicos y políticos, casi siempre a corto plazo. La creación teatral debe ser pensada desde el riesgo, y eso se produce aquí en el teatro privado. Yo he tenido mucha suerte con el Teatro Stabile de Venecia en este caso.

P: En Immanuel Kant repite cast y equipo...

R: Son actores que trabajan conmigo desde hace años, tenemos además de confianza mutua una memoria común, podemos decirnos las cosas con claridad, somos amigos en la vida además de en el teatro. Esa labor de grupo tan seria facilita las cosas.

P: Se discute productivamente...

R: Tengo un gusto sincero y verdadero por el trabajo colectivo, y en eso entra la humildad de todos, todos nos ayudamos.

P: Algo que no será del todo fácil en usted que ha crecido a la sombra de su padre.

R: Sí, pero buscando mi propio gusto y mi propio camino. Él era un acto grandísimo, único. Por suerte, somos muy diferentes. Cuando se habla de un nuevo actor como "un nuevo Gassman" estoy seguro que no están hablando de mí.

P: Es decir, no hay ya umbilicalidad...

R: Esta diferencia en nuestras personalidades hace que raramente se nos compare.

P: ¿Hombre de teatro u hombre de cine?

R: De ambos. Desde hace 25 años dedico el otoño y el invierno al teatro, y el verano y la primavera al cine. Este año haré tres filmes, pero la temporada teatral se alarga un poco. La popularidad me permite usarla paras proponer, tanto en cine como en teatro, temas difíciles.

P: Como es el caso de este Immanuel Kant de Bernhard.

R: Efectivamente. He usado la traducción de Umberto Gandini, pero metí al final el monólogo que no está en la obra original, y parte de una carta que escribió Thomas Bernhard para ser leída en el acto de recogida de un premio importante. Como siempre hacia, no fue a recoger el premio y la carta fue leída por otro. Está llena de frases cínicas. En Italia Bernhard es tratado como un autor cínico, de humor negro, y eso me llevó a esta clave grotesca, que para mí es la justa.

P: Hay otras influencias palpables: Las comedias mudas del cine americano, Fellini, E la nave va...

R: Y Amarcord la escena cuando salen en las barcas a ver el Titanic... de eso hablé con el escenógrafo que lo entendió enseguida, es otra prueba del resultado del trabajo en equipo, de trabajar honestamente en busca de un resultado satisfactorio que nos traicione a ninguno. Por eso quería estar en escena, estar dentro y estar fuera a la vez: ¡eso es el teatro!

Fuente: Roger Salas (www.elpais.com)

La pieza se conoció en España primero como lo que fue, una bellísima película estrenada en Francia en 1999 bajo la dirección de Fréderic Fonteyne, con Nathalie Baye, Sergi López y Paul Pavel como protagonistas. En Francia la producción teatral llegó poco después interpretada por Émile Beaudry y Amélie Carrie, bajo la dirección de Michel Maxime Legault. A partir de ahí se ha visto sobre los escenarios de muy diferentes países de Europa y América.

Blasband, nacido hace 46 años en Teherán de madre de origen iraní y padre belga, de origen judío polaco y austriaco, es un hombre tímido, sencillo y nada pomposo, hasta el punto de que asiste a su estreno en camiseta y pantalones juvenilmente arrugados. Ha vivido en Inglaterra, Estados Unidos, Irán, Israel y Bélgica, donde aún reside y está más claramente inclinado por la escritura para el cine que para el teatro, aunque le gusta poner en escena sus propios textos. Aunque , en esta ocasión se mostraba muy satisfecho con el trabajo de González Gil a partir de la trducción del dramaturgo español José Ramón Fernández.

"Me ha sorprendido mucho el espectáculo, posee una muy bella puesta en escena, de hecho es la más sofisticada de todas las que he visto y de todas las que he hecho, es técnicamente muy interesante, porque le da muchas posibilidades al relato y a los actores", comentó Blasband poco después de asistir a la representación de la que destacó en primer lugar el trabajo de Ribó y Vega.

"Los actores están muy bien, tienen una fuerza muy especial, y ver cómo abordan la función hace que desde mi perspectiva vea todo cambiado, el ritmo, la sonoridad, todo cambia, la manera de cómo ellos muestras la emoción es totalmente diferente, por supuesto reconozco la pieza, porque la han respetado totalmente, y no tiene que ver con que no conozca el idioma, porque si la viera en chino sabría todo palabra a palabra, es otra cosa, es cómo muestran los sentimientos", dice.

El autor, que se ha enterado de que los protagonistas son pareja en la vida real, no sabe si este hecho es importante para los espectadores: "Sé que para mí, no tiene la misma fuerza que para ustedes, pero lo que sé es lo importante, y es que son muy buenos actores, por lo demás no sé si sería de otra manera de no serlo", y añade, "hasta donde yo sé es la primera vez que la interpreta una pareja en la vida real y creo que es perfecto para esta obra", señala el autor que quizá ha olvidado que en Chile la interpretaron en 2008 Daniel Muñoz y Heidrun Breier, un conocido matrimonio de actores.

Cuando escribió la pieza ya existía el mundo de internet, aunque no de una manera tan generalizada como hoy: "Quizá ha sido un poco premonitorio de lo que iba a ocurrir, con el encuentro de parejas con gustos sexuales particulares; pero es algo que también ha facilitado el encuentro entre coleccionistas de sellos o pequeños coches, todo esto de buscar a otro con tus propias particularidades ahora con el mundo de internet es mucho más fácil", señala Blasband que ya estrenó en España hace una década Las comedoras de chocolate.

Para él el teatro es un algo mágico que hay que respetar como si fuera una religión: "El teatro es necesario para la sociedad por una razón, porque el mundo occidental tiene necesidad de que haya gente que sobre la escena que hagan un ritual laico; la misa desde el laicismo se instala sobre el escenario y los espectadores están ahí compartiendo con los actores un rito muy importante, como en una iglesia los fieles comparten con el cura aquello que sucede, y lo importante es que los actores hagan ese ritual".

Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)

Mientras habla va entusiasmandose con la comida y el espacio donde se cena, una pequeña y tranquila terraza del Madrid de los Austrias. Tras una lógica propuesta para compartir platos, y una vez terminado el sabroso guacamole, ataca las quesadillas, unas con flor de calabacín, otras con huitlacoche, un hongo que crece en el maíz, de delicado sabor, que engolosina a Orazi.

Actriz y argentina, lo cual no es decir poco. Nada histriónica. Eso sí, a veces le asoma un coqueteo psicoanalítico, como en el tema de su espectáculo, Susana en el agua y con la boca abierta, un trasunto contemporáneo de la Ofelia hamletiana, en el que se habla a fondo sobre el suicidio: "No es nuevo obsesionarse con la muerte, pero el suicidio provoca un plus de inquietud, incomodidad, ya que hay una voluntad de morir y la mayoría de las personas gastamos nuestros esfuerzos en mantenernos vivos".

Su montaje, el único estreno absoluto del Festival de Otoño en primavera (no es una errata, son cosas de Esperanza Aguirre), puede facilitarle salir del anonimato y abrirse paso en España, donde no se sabe que ella es el relevo de grandes creadores escénicos argentinos como Daniel Veronese, Rafael Spregelburd o Claudio Tolcachir. Pero no piensa moverse de España, donde se estableció mientras estaba de gira con un capital de 700 euros.

Sostiene que las salas alternativas (su montaje está ahora en el Teatro Pradillo), a las que considera su espacio natural en el que crecer y trabajar, tienen en España una excesiva legislación: "Puede que las subvenciones faciliten su existencia, pero va en detrimento de un proyecto artístico; si alguien te da dinero pone condiciones y no siempre ese alguien es cercano al teatro; aquí se evita que en estos teatros haya un caldo de cultivo propio, se generen raíces y lenguajes personales", comenta Orazi, de sangre italiana por los cuatro costados.

Mientras se deleita con unos molcajetes con ternera frijonel cocinados y servidos en piedra volcánica prehispánica y enrolla su tinga poblana de pollo, se sorprende a sí misma descubriendo que la primera vez que pensó en su actual espectáculo fue en este restaurante al que acude de vez en cuando. También parece que en ese momento cae en la cuenta de que hablar del suicidio puede ser de una gran dureza: "Hemos aprendido muy bien de qué cosas hay que reírse y de cuáles no... pero todo apunta a que no lo hacemos muy bien. De hecho, hay quien ríe en los velatorios y quien llora en las fiestas", dice para dejar claro, sin explicitarlo, que su espectáculo está lleno de humor. El que a ella le falta para atacar un postre en estos días de pánicos escénicos.

Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)