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compañía LA KOMPANYIA LLIURE
dramaturgia y dirección PABLO MESSIEZ
traducción al catalán MARC ARTIGAU
intérpretes JOAN AMARGÓS, QUIM ÁVILA, CLÀUDIA BENITO, RAQUEL FERRI, EDUARDO LLOVERAS, ANDREA ROS, JOAN SOLÉ y JÚLIA TRUYOL
duración 1h 45min
fotografías ROS RIBAS
producción TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Siempre es una buena noticia leer "dramaturgia y dirección" de Pablo Messiez. Este dramaturgo argentino afincado en Madrid consiguió cautivarme con su montaje Los ojos y que desde entonces es de obligada asistencia a cada uno de los montajes de los que hemos podido disfrutar en Barcelona.

Messiez conjuga sus dramaturgias el realismo mágico, con un toque bastante costumbrista. El temps que estiguem junts es uno de sus ejemplos más evidentes de este género. Con una narrativa más típica del cine que del teatro, donde las acciones se superponen unas a otras, y el espectador ha de reconstruir el puzzle entre tanta diversidad temporal y espacial.



Si hay una cosa que domina Messiez es captar la atención del público desde el inicio y aquí nos vuelve a sorprender con una entrada de personajes excelsa. Y desde el inicio dos historias paralelas, los inicios de convivencia de una pareja y la reunión de amigos tras varias pérdidas. 

El temps que estiguem junts es la primera vez que todos los miembros de la compañía están juntos y solos en el mismo montaje. Es el primer pulso con el público. Y aquí es donde el montaje empieza a tambalearse. En esta generación de Kompanyia las diferencias son más notables que en la pasada. Hay una clara descompensación de interpretaciones, y este montaje lo pone de manifiesto.



Hay actores de la Kompanyia que traían una maleta de tablas impresionante antes de entrar y en este montaje se pone de manifiesto. Es el caso de Júlia Truyol y Clàudia Benito que brillan por encima del resto de sus compañeros. Pero, sin duda, el gran descubrimiento de esta Kompanyia ha sido Raquel Ferri. Nit de Reis (o el que vulguis) supuso su lanzamiento y sigue la estela con uno de los personajes más complejos de El temps que estiguem junts.   

Impresionante la escenografía de Elisa Sanz que recrea a la perfección la sala de estar de esas casas de los años 60 y 70 en la intimidad del Espai Lliure. Cuidada la selección de los elementos que la componen y que otorga un áurea perfecta para subrayar el realismo mágico y el costumbrismo de la dramaturgia de Messiez. 



El ritmo de la obra es una de las contraindicaciones del montaje. En este aspecto El temps que estiguem junts recuerda algunos dramas de Chéjov donde el devenir de la existencia no tiene fin y los personajes ven, sobre todo, la vida pasar.

Y quizás a causa de este ritmo se acaba cayendo en un melodrama exagerado en algunos personajes que convierten la afectación en la característica principal de su interpretación. Se agradece, pero, el pequeño homenaje a Sarah Kane. Sin duda, El temps que estiguem junts no será lo mejor de Pablo Messiez pero es suficiente para una primera inmersión en su  particular universo.
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Texto: Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Fotos: Ros Ribas, Stephen Cummiskey, Bernadette, Dona'm Escena.

Esta mañana se ha presentado la temporada 17-18 del Teatre Lliure. Después de la temporada del 40 aniversario, la expectación era máxima. Lluís Pasqual nos ha presentado la nueva temporada comparándola con un mapa que nos permitirá observar el dibujo de una geografía que es el reflejo de nuestra manera de producir, consumir, movernos, un refeljo también de nuestros modelos económicos, sociales y políticos, de las fronteras reales y de las de la imaginación. En este mapa hay una evidencia: la vida ha entrado en los escenarios, para quedarse.

Este mapa estará formado por 8 ejes programáticos que articulan todas la temporada:

1. REFUGIATS, ESTRANGERS, ESTRANYS. Seis espectáculos: El metge de Lampedusa, Medea, Bérénice, Molsa, Brundibár, Històries d'Istanbul, a contrapeu.


2. EN RISC D’EXCLUSIÓ. Cuatro espectáculos: Living With the Lights On, Trans (Més enllà), Cinema i Sis personatges. En este eje se encuentra la Mostra de Teatre Inclusiu NOSaltres.

3. OBSTINACIÓ EXTREMA que está formada por 3 espectáculos estranjeros, Extremités, Daral Shaga i Opus y dos nacionales, El somriure al peu de l’escala y Be God Is y la reposición de Rhümia.

4. EN CONVIVÈNCIA es el eje que más espectáculos acoge, un total de ocho: Nit de Reis (o el que vulguis), Obabakoak, La visita de la vella dama, Beguin the Beguine, La tristeza de los ogros, El temps que estiguem junts, Si mireu el temps d'on ve i El sistema solar.

5. ARTS I LLETRES lo conforman espectáculos de danza como Escrit en l’aire y el toque musical que lo pondrá el concierto Alessandro Amante de Xavier Sabata i Dani Espasa.

6. REPOSICIONS. Además de la mencionada Rhümia, que vuelve por Navidad al Lliure de Gràcia, Maria Estuard, Renard o El Llibre de les bèsties y In memoriam. La quinta del biberó. 

7. ASSAIG I FUNCIÓ. Lluís Pasqual dirigirá tres lecturas dramatizadas ofreciendo a los espectadores la posibilidad de seguir el proceso de trabajo desde el inicio, de la mesa de la primera lectura al escenario. Lecturas interpretadas por la Kompanyia Llliure.



MI TOP 8


LIVING WITH THE LIGHTS ON de Mark Lockyer, la historial real de este actor de la Royal Shakespeare explicada por él mismo. Diez años de vida al límite en un divertidísimo monólogo.

TRANS (MÉS ENLLÀ). Presentado como un espectáculo que nos abrirá los ojos y el corazón delante de quienes tienen una identidad sexual que no se corresponde con la biológica. 

EXTREMITÉS. Humor, unos tablones y unas bombonas de butano. Circo en la Sala Fabià Puigserver, un género que el Lliure hacía mucho tiempo que no programaba. Toda una buena noticia.

DARAL SHAGA. Más circo de la mano de Laurent Gaudé y Fabrice Murgia. Pero no sólo circo también ópera contemporánia, teatro, cine. Fragmentos de vida entre Melilla, Tijuana y Lampedusa. Un mítico dios de los immigrantes y la posibilidad de pasar las fronteras sin haber de dejar nada al otro lado.

OPUS. Y seguimos con el circo, esta vez de mano de los australianos Circa que llenarán Montjuïc con 14 acróbatas!

BEGIN THE BEGUINE. Versión teatral del guión cinematográfico de John Cassavetes dirigida por Jan Lauwers. La vida, los excesos, el eros y el tánatos.

EL TEMPS QUE ESTIGUEM JUNTS. De Pablo Messiez. Obra surgida de un taller que el director y dramaturgo impartió esta temporada a la Kompanyia Lliure. Y del que no sabemos casi nada. Pero es Messiez.

EL SISTEMA SOLAR de Mariana de Althaus dirigida por Carol López. Una familia desestructurada se reencuentra por navidad. Una comedia delirante. Las dramaturgias de familias se le dan muy bien a la Carol López.

¿DÓNDE ESTÁN LAS MUJERES?


Sólo un 12% de esta programación tiene algún miembro femenino en dirección y autoría. Es una manera triste de acabar un artículo, pero la realidad nos vuelve a golpear y a dejarnos en el banquillo una temporada más, por muchos mapas de dibujemos, siempre los dibujan los mismos.
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DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: PABLO MESSIEZ
INTÉRPRETES: ESTEFANIA DE LOS SANTOS (LAS PLANTAS) y FERNANDA ORAZI (LOS BICHOS)
DURACIÓN: 50min (Las Plantas) | 30min (Los Bichos) + 10min de entreacto
PRODUCCIÓN: PABLO MESSIEZ
SALA LA PLANETA (TEMPORADA ALTA 2015)

Messiez, Messiez, Messiez... le cuesta llegar a Barcelona, de momento hemos podido disfrutar de sus obras en Girona, gracias a Temporada Alta. Uno de los autores de culto en los teatros off de Madrid por sus dramaturgias y cada vez más en los teatros comerciales por sus adaptaciones y/o direcciones como la de La Piedra Oscura (en febrero, nos vemos en el Lliure de Gràcia).

Primer plato, Las Plantas con una Estefania de los Santos, simpatía y buen humor a raudales en una historia agridulce, llena de soledad, de frustraciones y de búsqueda incesante por la felicidad. Esta mujer se acaba de levantar, y esta sola, con la única compañía de sus plantas, a las que riega y habla sin cesar. Los espectadores mudos en medio de la oscuridad, hasta que la cuarta pared se rompe y se nos permite mirar, se nos da una voz sorda y la mujer deja de hablar con sus plantas y se dirige directamente al público. 

Las Plantas se estrenó en 2010 y lleva un rodaje importante, la cual cosa se nota, el naturalismo impregna toda la pieza. Estefania de los Santos, a la que ya pudimos ver en Urtain, aunque sea una práctica desconocida en Catalunya, lleva el personaje tatuado en la piel. Brutal su interpretación, no hay máscaras, te lo explica con una sencillez que las risas se convierten en llanto y te despierta una sensibilidad, que a pesar, del calor de la sala, la carne se te pone de gallina.

Segundo plato, Los Bichos protagonizada por la gran maga Fernanda Orazi, impresionante la capacidad de esta actriz argentina de impactar, de capturar la atención del público. A mí, me gana desde el primer segundo, pero yo soy fan, fan total.  Una mujer sentada delante de una mesa con un móvil, su cabeza reposa encima de la mesa, no se puede despegar, oye que la madera suena, hay bichos dentro. En tan sólo media hora escasa descubrimos su gran secreto. 

Y, aunque la obra no sea de las mejores de Messiez, le falta algo más de desarrollo dramatúrgico, la capacidad de seducción de Fernanda Orazi hace que no podamos despegar la mirada de su figura, nos lleva por donde quiere y nos dejamos llevar. Los bichos nos los deja Orazi en el estómago interpretación tras interpretación.

Messiez, Messiez, Messiez... de postre, estrenará nueva obra a finales de febrero en los Luchana con Estefania de los Santos y Luz Valdenebro, se me antoja una visita a Madrid. Barcelona de momento le sigue esperando.

LAS PLANTAS/LOS BICHOS

by on 17:44
DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: PABLO MESSIEZ INTÉRPRETES: ESTEFANIA DE LOS SANTOS (LAS PLANTAS) y FERNANDA ORAZI (LOS BICHOS) DURACIÓN: 50...
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Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

La mejor noticia del verano es el Festival de Otoño de Temporada Alta 2015. En esta edición hay 110 espectáculos, 25 producciones/ coproducciones catalanas, españolas e internacionales y 36 estrenos absolutos. Vamos a llenar las agendas, que ya tardamos! Como la economía no está para tirar cohetes, por mucho que digan, aquí os dejo mis 10+1 imprescindibles de esta edición. Nos vemos en Girona!

DINAMO-Claudio Tolcachir-Teatre de Salt-Viernes 9 de octubre 21h | Sábado 10 de octubre 18h| 30€-22€ | 1h 30min

Impresionate escenografia roulotte, con unas maravillosas actrices argentinas y con música en vivo. La poesía del dramaturgo argentino vuelve a llenar la atmósfera teatral con tres mujeres que ruedan perdidas pero que como viene siendo habitual, Tolcachir llenará de sorpresas a la vuelta de la esquina su camino y por ende también el nuestro.

UBU i LA COMISSIÓ DE LA VERITAT- William Kentridge-Teatre Municipal de Girona- Teatre Municipal de Girona- Domingo 11 de octubre 18h| 36€-22€-12€ | 1h 30min

Combinación explosiva del mundo los títeres, actores de carne y hueso, música, animación, elementos de teatre documental, el espectáculo adapta la sátira sobre el rey enloquecido y despótico y lo traslada al apartheid sudafricano. 

ESTÁ ESCRITA EN SUS CAMPOS- Lagartijas tiradas al sol- Sala La Planeta- Viernes 16 de octubre 21h| 18€ | 1h 30min

En los últimos años, el narcotráfico mexicano ha cambiado: diversificación de substancias, aumento del consumo, más violencia y más profesionalización de las organizaciones criminales. El teatro documental de la compañía Lagartijas tiradas al sol nos acerca a la historia del narcotráfico a través de la vida de El Tigre, un rapero y pequeño narcotraficante.

LE SEC ET L'HUMIDE - Guy Cassiers- El Canal-Diumenge 18 de octubre a las 18h| 28€ | 1h

Guy Cassiers es uno de los referentes europeos de creación escénica. Sus espectáculos combinan tecnología y literatura. El doble proyecto con Temporada Alta que se completará en 2016 con la adaptación de la novela Les Benignes, y que empieza con Le sec et l'humide, un ensayo de Littell donde experimenta con técnicas de distorsión sonoras y nos pone en la piel de un historiador que va perdiendo el control del tema durante una conferencia sobre Degrelle.

L'ÚLTIMA CINTA DE KRAPP- Oskaras Koršunovas- Sala La Planeta- Viernes 23 de octubre 22h | Sábado 24 de octubre 18h| 25€ | 1h

Prepárate para sumergirte en el teatro más intenso y turbador de la escena internacional. Después de Shakespeare, Gorki o Chéjov, le toca el turno a Samuel Beckett y su personaje absurdo Krapp, un hombre que graba su voz para luchar contra el tiempo, un personaje perseguido por las sombras del pasado.

MESURA PER MESURA- Declan Donnellan- Teatre Municipal de Girona- Miércoles 28 de octubre 21h | Jueves 29 de octubre 18h| 36€-22€-12€ | 1h 50min

Y aunque ya se avanzó en julio la presencia de Donnellan, no deja de ser un imprescindible más del festival. Una aproximación a Shakespeare de uno de los directores más reconocidos de Europa con actores rusos del Teatro Puixkin de Moscú. Mesura per mesura es uno de los textos más incisivos con la naturaleza de los gobiernos.

NOTRE PEUR DE N'ÊTRE- Fabrice Murgia- El Canal- Viernes 30 de octubre 21 | 36€ | 1h 20min

Un espectáculo que aborda la soledad extrema de la sociedad hiperconectada con un montaje lleno de recursos expresivos y tecnológicos: video, luces, sombras, sueños y realidad. Fabrice Murgia consigue crear un retrato denso y contundente del ser humano contemporáneo y de su miedo a "no-ser".

EL MATRIMONI DE MARIA BRAUN- Thomas Ostermeier-Teatre Municipal-Dissabte 7 de noviembre 18h y 21h | 36€-22€-12€ | 1h 45min

Ostermeier adapta una de las películas más conocidas de Fassbinder. Teman y Maria Braun se casan durante un bombardeo en medio de la Segunda Guerra Mundial. Dos días después, Hermann marcha al frente y no vuelve. Para sobrevivir, Maria se ve obligada a prostituirse y a aprender las normas de un mundo dominado por los hombres.

THE VALLEY OF ASTONISHMENT- Peter Brook- Teatre Municipal- Sábado 14 de noviembre 21h | Domingo 15 de noviembre 18h | 36€-22€-12€ | 1h 10min

Salvador Sunyer afirmaba en la rueda de prensa que Peter Brook es muy grande (de edad) y es muy grande (en sus creaciones), es el director extranjero que ha estado más veces presente en el Festival. En esta ocasión iniciaremos un viaje de exploración y misterios por el cerebro humano. El montaje permite entender los complejos misterios de la inteligencia y la razón, y está inspirado en el poema épico del persa Farid Attar, La conferencia de los pájaros.

ANTON TXÈKHOV- Michael Pennington- Teatre-Auditori de Sant Cugat- Viernes 4 de diciembre 21h | 26€ | 2h con entreacto de 15min

Tranquilos que no es que Girona se haya anexionado Sant Cugat del Vallés, es la voluntad de que se expanda por todo el país el que implica que dos de los montajes de este año hagan las maletas y se representen en la ciudad del Vallés.Michael Pennington nos presenta un espectáculo sobre la vida de Anton Chéjov escrito, dirigido e interpretado por él mismo.

LOS BICHOS/ LAS PLANTAS- Pablo Messiez- Sala La Planeta- Martes 8 de diciembre 18h | 18€ | 1h 35 min con un entreacto de 10 min

Por fin, alguien nos acerca la dramaturgia de Pablo Messiez, un autor con una poética tan especial que se me ponen los pelos de punta y se me enciende el corazón. Es mi +1 imprescindible. Ambas obras tienen en común la soledad de las vidas de sus protagonistas, Alicia y Natalia, el afán por entender de que están hechas sus respectivas soledades y el deseo de dejar de estar solas.

TODA LA PROGRAMACIÓN AQUÍ
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Fuente: Rocío García (elpais.com) | Foto: Luis Sevillano
Como si de un mismo río se tratara, eslabones de una misma cadena. Así contempla Ernesto Caballero, el director del Centro Dramático Nacional, la creación teatral en España y así lo mostrará la programación de la temporada 2015-2016 de la institución pública que se ha presentado esta mañana. Las voces más emergentes y dinámicas compartirán escenario con nombres consolidados de la escena española. Será la ocasión de contemplar el trabajo de Denise Despeyroux o Alberto Conejero, junto a directores o dramaturgos de una larga trayectoria, como Gerardo Vera, Juan Mayorga o el propio Ernesto Caballero. “La función de un teatro público es la de impulsar la creación emergente, dotar de medios a los más nuevos y que compartan experiencias y público con los creadores más reconocidos, en un diálogo genuino en el que todos tienen cabida. Se trata de contaminarse mutuamente”, explicó a este diario el director del CDN, que afronta su cuarta temporada al frente de la institución. Con un claro destinatario: el espectador más plural y diverso posible. “El público es lo que nunca debemos olvidar, es el que nos mantiene en este viaje que ofrecemos a viajeros aventureros y no turistas, ese que busca experiencias menos usuales, como un profundo ejercicio de la ciudadanía, explorando mundos ficticios que tienen mucho que ver, sin embargo, con nuestra realidad”, añadió Caballero.
Junto a estrenos y producciones propias del CDN, la temporada que comienza el próximo septiembre acogerá también tres de los montajes más exitosos de este año y que pusieron enseguida el cartel de no hay billetes. Son el caso de El testamento de María, la obra protagonizada por Blanca Portillo y dirigida por Agustí Villaronga; La piedra oscura, el texto sobre el poder de la palabra frente a la barbarie con el espejo de Lorca bien presente de Alberto Conejero que dirige Pablo Messiez y Adentro, el montaje de Tristán Ulloa y Carolina Román.
Los hermanos Karamázov será sin duda uno de los platos fuertes de la temporada próxima. La obra de Dostoievski, en versión de José Luis Collado, estará dirigida por Gerardo Vera, primer montaje de este realizador tras su salida del CDN. El protagonista de Los hermanos Karamázov será Juan Echanove, quien con esta obra se pone por primera vez a las órdenes de Vera. “Sin Echanove yo no habría hecho esta obra de tal envergadura. Fue lo mismo que me pasó con Amparo Baró y Agosto y Nuria Espert y La loba. Echanove tiene una profundidad de pensamiento, de emoción y de verdad difícil de encontrar”, aseguraba esta mañana un entusiasmado Gerardo Vera. Otro de los montajes más esperados es el de Reikiavik, con texto y dirección de Juan Mayorga, todo un peso pesado en la dramaturgia española. Reikiavik, segunda obra que dirige Mayorga, es algo más que en el encuentro de dos campeones de ajedrez, Borís Spassky y Bobby Fischer, en la capital finlandesa en 1972, es una partida en torno al juego de la vida. Reikiavik está protagonizada por Daniel Albaladejo y César Sarachu.
Otras obras que se podrán ver en las dos salas del CDN –el teatro María Guerrero y el Valle Inclán- serán Los caciques, de Carlos Arniches y dirección de Ángel Fernández Montesino; Páncreas, de Patxo Tellería que dirige Juan Carlos Rubio y protagoniza Fernando Cayo, Santiago Ramos y José Luis García-Pérez; La rosa tatuada, una obra de Tennessee Williams que pondrá en escena Carme Portacelli; Los dramáticos orígenes de las galaxias espirales, de Denise Despeyroux o Insolación, un montaje de Luis Luque sobre texto de Emilia Pardo Bazán, que protagonizará la actriz María Adánez. El propio Ernesto Caballero también estará presente en la programación con La vida de Galileo, de Bertolt Brecht, y El laberinto mágico, de Max Aub.
La presencia internacional, dentro de la sección Una mirada al mundo, vendrá de la mano, entre otros, del coreano Jung-Ung Yang, con El sueño de una noche de verano, de Shakespeare, la Trilogía sobre algunos asuntos de familia, de la compañía colombiana La Maldita Vanidad o el británico Declan Donnellan, que presentará Cuento de invierno, de Shakespeare.
Todos esperan una buena temporada, sobre todo si se tienen en cuenta los datos aportados hoy por la directora del INAEM, Montserrat Iglesias, que acompañó en la presentación al secretario de Estado de Cultura, José María Lasalle, y al propio Caballero. El balance del INAEM habla de 58 montajes y 725 funciones en la temporada 2014-2015 a los que acudieron un total de 132.000 espectadores. El porcentaje de ocupación fue de un 83%.
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Fuente: Sergio C. Fanjul (elpais.com)
Los textos dramáticos son ese tipo de literatura que, director de escena mediante, pasan de las dos dimensiones del negro sobre blanco a la carnal realidad 3D de los actores. Al inicio de la cadena del teatro está el dramaturgo, que imagina esa realidad que luego, abracadabra, cobrará vida en escena. El teatro, por otro lado, es una de las disciplinas artísticas que más respeta y revisita a sus clásicos, y también son frecuentes los montajes de textos extranjeros. Pero en los últimos tiempos se produce una revalorización de los textos escritos por autores de los que están hic et nunc, aquí y ahora.
Con motivo del Día Mundial del Teatro y de la madrileña Noche de los Teatros, reunimos, en el Valle-Inclán, corazón del muy teatrero barrio de Lavapiés, a algunos de los autores emergentes que más y mejor están trabajando en estos tiempos. Son Paco Bezerra, Alberto Conejero, Denise Despeyroux, Pablo Messiez, Jose Padilla, Antonio Rojano y María Velasco.
Jóvenes, sí, pero no tanto —tienen en treinta y cuarenta y pocos años— y nada nuevos: aunque ahora disfruten de cierta visibilidad flamante llevan mucho tiempo escribiendo y bandeando dificultades. “Antes estaban los teatros grandes, que preferían llenar con Shakespeare o Chéjov, y unas pocas salas alternativas, con lo que conseguir hueco era difícil”, dice Paco Bezerra (autor de El señor Ye ama los dragones o Grooming). “Además, el oficio de dramaturgo antes era visto como una cosa para señores mayores. Eso ha cambiado: ahora atraemos a un público más joven que está interesado en textos que escribe gente de su edad”. Es curioso, y alarmante, que la obra de Bezerra Dentro de la tierra ganara el Premio Nacional en 2009 y siga sin ser estrenada.
Así que la celebrada eclosión (¿o burbuja?) de las salas alternativas ha tenido algo que ver: en sus tablas pudieron darse a conocer y ahora atraen la mirada de las instituciones públicas. De alguna manera es como se supone que deben funcionar las cosas: el off como vanguardia que abre camino, lo público para apoyar y recoger el testigo. Y tanto Ernesto Caballero, director del Centro Dramático Nacional, como Juan Carlos Pérez de la Fuente, del Teatro Español, parecen decididos a apostar por la autoría teatral española contemporánea.
“También desde lo privado se está confiando. Hay espacios y públicos para todo tipo de espectáculos. Se trata tan sólo de asumir la posibilidad del error, que es parte fundamental en toda mirada artística, tanto como los hallazgos o los éxitos. Hay que apostar e invertir”, dice Conejero (La piedra oscura, Cliff). María Velasco(Günter, un destripador de Viena o Líbrate de las cosas hermosas que te deseo) habla de la necesidad de superar la “necrofilia y el síndrome Bienvenido Mr. Marshall” y dar la alternativa a los jóvenes autores patrios. “Aquí nadie está dispuesto a arriesgar nada”, dice, “a los contemporáneos solo se les da migajas. Se les trata con paternalismo, por ejemplo, llamándoles 'nuevos' cuando han empezado a encanecer; obligándoles a renunciar a su poética, y a 'escribir a la manera de'; o pagándoles, justito, justito, la mano de obra. Es muy significativo que autores como Rodrigo García o Angélica Liddell se hayan 'exiliado”.
Los medios y el público acompañan a estos autores: “Con la crisis se ha empezado a prestar atención al circuito off, que se ha convertido en noticia”, advierte Despeyroux (Carne viva, texto nominado a los premios Max, o el próximo estreno Ternura negra). Nunca antes, como coinciden en señalar, un artista estuvo tan expuesto a la opinión del público, que comenta las obras a través de blogs y redes sociales casi en tiempo real. Eso sí, también coinciden en que esta “presión popular” no les influye a la hora de crear. “Trato de estar alerta y cuando noto esa interferencia trato de extirparla como un tumor maligno”, dice Messiez (Los ojos, Muda, Las plantas), “al final todo eso es un fantasma, una realidad virtual, una ilusión. Y no puedes escribir lo que le guste a todo el mundo”.
“Somos, además, una generación a la que no le importa estrenar en un gran teatro y luego hacerlo en una sala pequeña, no se nos caen los anillos”, apunta Bezerra. ¿Generación? Aunque cada uno es de su padre y de su madre en sus temas y planteamientos, comparten ciertas cosas. Por ejemplo, las conexiones que establecen entre ellos y el mutuo conocimiento. “Nos interesa el trabajo y el reconocimiento de nuestros pares más que lo que diga la crítica, sobre todo cuando hay tanta confusión y diversificación de la opinión. Así se genera un diálogo entre nuestras obras”, dice Despeyroux. Y no están aquí todos los que son: habría que mencionar otros nombres como José Manuel Mora, Lola Blasco, Jordi Casanovas, Marta Buchaca, Carolina África, Guillem Clua o Josep Maria Miró, entre otros. “Hay una mirada amorosa al trabajo de los otros”, dice Conejero, “el contexto es tan radical que los esfuerzos, los anhelos y la resistencia compartida nos aglutinan. Entendemos que el camino es tan frágil que todo aquel que lo transita es un compañero”.
La figura del dramaturgo, también va cobrando protagonismo a la hora de montar la obra. “Es algo que también cambia respecto a otras generaciones”, dice Velasco, “somos más dramaturgos de trinchera. Escribimos de una manera más colaborativa con la dirección. Los procesos no son tan lineales como antes, cuando cada uno se ocupaba de su parte”. Este escritor pasivo más allá de las páginas del texto es lo que Rojano (La ciudad oscura, Ascensión y caída de Mónica Seles) define como “autor florero”. Y la considera una figura obsoleta: “El dramaturgo está cada vez más implicado en el proceso de ensayos y esto repercute directamente en la calidad de la obra. Su opinión no sólo está siendo valorada, se está convirtiendo en necesaria”, dice.
Él lo ha experimentado en su último estreno, La ciudad oscura (se puede ver hasta el domingo en el Teatro María Guerrero), fruto del proyecto Escritos en escena, del Centro Dramático Nacional, que precisamente se enfoca en la escritura dramática a pie de escenario y por el que han pasado varios de estos artistas.
Otras iniciativas de investigación teatral son Espacio Teatro Contemporáneo (ETC), en la sala Cuarta Pared, que ahonda en nuevos lenguajes, así como el laboratorio LaZonaKubik, que aglutina a la productora La Zona y la sala Kubik Fabrik. Y hoy mismo abre un pequeño local que estará dedicado al autor teatral emergente y a la investigación: el espacio escénico no convencional Mínima, también en Lavapiés.
Pero si hablamos de teatro, de gran momento creativo, de multiplicidad de ofertas, también tenemos que hablar de su lado más oscuro, la precariedad en la que viven instaladas las gentes del teatro, aún cuando disfrutan del éxito. “La precariedad es un hecho, y el lugar de mierda en que los gobiernos ubican el teatro también”, dice Messiez. “Percibo una especie de optimismo raro que hace pie en la cantidad de propuestas”, continúa, “un entusiasmo heredado de las lógicas del mercado que genera jerarquías en términos del éxito o fracaso obtenido, la repugnante cuantificación de la calidad. Creo que ahí hay un malentendido atroz”.
El latigazo de la crisis ha cambiado la manera de hacer teatro, y generado cierto caldo de cultivo, pero, como señala Padilla (Haz clic aquí, Los cuatro de Düsseldorf), “no estamos aquí por la crisis y las condiciones laborales precarias, sino a pesar de éstas. Hacer teatro se está convirtiendo en un acto total de resistencia política”.
Conejero hace un buen resumen de este florecimiento en escena de textos dramáticos hechos por gente de hoy en día para gente de ahora mismo: “El sistema piramidal del teatro se empieza a astillar por la crisis y aparecen lugares intermedios. En esa cadena ya no existen los grandes montajes, los grandes presupuestos. Estalla algo. Y empieza a filtrarse una luz entre los escombros de lo que eran edificios más compactos”.

Dramaturgo a la vista

by on 14:22
Fuente: Sergio C. Fanjul ( elpais.com ) Los textos dramáticos son ese tipo de literatura que, director de escena mediante, pasan de la...
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Fuente: José Luis Romo (elmundo.es)
El pasado viernes 27 de febrero se estrenó en el Teatro del Arte de Moscú, el templo fundado por Stanislavski y Dánchenko, 'La pidra oscura', una emocionante función que fabula sobre los últimos días de Rafael Rodríguez Rapún, secretario de la Barraca y último amor de Federico García Lorca. Protagonizada por Daniel Grao y Nacho Sánchez, esta pieza agotó localidades durante su estreno en el Teatro María Guerrero en enero y volverá la próxima temporada al Centro Dramático Nacional. Quizás este éxito ayudase para que el teatro moscovita la eligiese dentro de su programa 'Por primera vez en ruso', con el que dan a conocer la dramaturgia contemporánea española en su país. Su autor, Alberto Conejero (Jaen, 1978), viajó junto a Pablo Messiez, director de la función para pergueñar la puesta en escena rusa con actores de allí.Reconoce que sintió algún temor por las leyes represivas del actual Gobierno ruso a la población homosexual (prácticamente hay vía libre en el país para dar un paliza impune a gays y lesbianas y la obra no dejaba de evocar un amor entre dos hombres). Además, su estancia rusa coincidió con el asesinato del disidente ruso, Boris Nemtsov, a escasos metros de la plaza roja. A pesar de sus temores, la obra tuvo que añadir una función extra a sus tres representaciones por el éxito cosechado. El autor cuenta su experiencia en este texto para elmundo.es.
"Y Pablo [Messiez] y yo mirábamos mirar. En el claroscuro del patio de butacas del Teatro de Arte de Moscú, confundidos (en todas sus acepciones) con el resto de espectadores. Una maraña de torsos y de cabezas en la que se repetían, como matrioskas esparcidas con un orden secreto, señoras de convencido cardado. Era un pase general y gratuito y el público había acudido por el reclamo de un cartel en la calle. Anunciaba la obra desconocida de un autor español desconocido. Público repentino y por tanto inadvertido de los temas que se iban a tratar en el escenario. Y eso acrecentaba nuestra inquietud. Llegábamos con 'La piedra oscura' a un país en soterrada guerra civil y con la Ley de Propaganda, que persigue la manifestación pública de la homosexualidad y ampara el acoso al colectivo LGTB. Y la nuestra es una función sobre el encuentro con el contrario y la reconciliación con nuestros deseos. Precisamente el amor que ahora en Rusia no puede decir su nombre".
"Mirábamos mirar esperando la escena en que Rafael pide a Sebastián que le perdone su "pecado": haber dejado solo a Federico, vencido por sus miedos. Aguardábamos la frase "y aquella palabra, maricón, retumbando en mi cabeza". Y fue. Y vimos los cuerpos amenazados, acorralados por lo que acontecía, la mirada espantada, la mano en la que se ahoga un grito de horror. Pero también otros cuerpos que se proyectaban hacia el escenario atraídos por una historia que acontecía en un tiempo pasado en un país lejano y que, sin embargo, convocaba a los fantasmas del presente ruso. Como si la función y los espectadores se asombraran mutuamente por esa intimidad inesperada. Quizá el teatro sea más interior que lo más íntimo de cada uno de nosotros, parafraseando a San Agustín. Que lo más íntimo ocurre siempre en el exterior. Y pensé en la facultad que tiene el teatro de alumbrar un tercer tiempo que se incrusta en el tiempo presente y lo detiene ensanchándolo, desbordándolo, vinculándolo peligrosamente con el pasado y con el porvenir. Comprendí entonces que estaba asistiendo al raro prodigio de un teatro que se levanta ante el espectador como un animal desconocido, como una quimera. Y se detuvo el mar (como siempre que termina una función de 'La piedra oscura') y llegaron los aplausos. Los mismos que se repitieron hasta los bravos de la última representación". 
"Tras la función de estreno mantuvimos un encuentro con el público. Esperábamos las preguntas. Pero los espectadores prefirieron contar las emociones que les había generado la función. De nuevo la necesidad de compartir, de nombrar para ser. Y se habló del enfrentamiento en Ucrania, de la orfandad, de la necesidad de mirar de ponerse en el lugar del Otro, de la necesidad de perdurar en la memoria de los otros y por supuesto de la persecución de los homosexuales. En las grandes ciudades rusas, los teatros son un archipiélago de libertad. Pero también estos cada vez viven más asediados. Celebro el riesgo que ha asumido el Teatro de Arte de Moscú programando 'La piedra oscura'. Y celebro la oportunidad de conocer a aquellos espectadores anónimos que se arriesgaron opinando en público sobre la función". 
"Terminaba así una experiencia tan enriquecedora como radicalque había arrancado quince días atrás con el primer ensayo. Los dos actores rusos que interpretaban a Sebastián y a Rafael llegaron reacios al encuentro con la función y con su director.Una leve hostilidad como escudo, como prevención ante un texto que disparaba al corazón de los modelos de comportamiento que el actual gobierno ruso erige como válidos. Ellos comprometieron sus certidumbres, su imagen pública y probablemente su futuro profesional por sacar adelante este trabajo. Nunca se lo podré agradecer lo suficiente. Lo que para nosotros pudieran parecer reticencias, prejuicios, obstáculos en el trabajo, fue para ellos un enorme ejercicio de valentía y de entrega al teatro. Y así, con un empeño que sólo la fe permite, 'La piedra oscura' en ruso fue posible. El teatro nos ha permitido finamente vernos, detenernos a mirarnos, a aprender a estar juntos, a tratar de comprendernos. La mujer de uno de los actores acudió embarazada a ver la función. Ojalá su hijo encuentre una Rusia más libre en la que nadie sea asesinado por oponerse a la guerra o por amar a otro adulto".
"Agradezco profundamente al Centro Dramático Nacional, a la AC/E y al Teatro de Arte de Moscú el haberme permitido vivir esta experiencia. La excitación de estrenar en una de las catedrales de las artes escénicas se convirtió en una de las lecciones más hondas que he recibido sobre el sentido del teatro. Pensaba en la familia de Rafael Rodríguez Rapún. Pensaba en Rafael. Ahora otros saben quién fue. Y al final siempre Federico García Lorca, su presencia luminosa e infinita irradiando un misterioso magisterio con tan solo pronunciar su nombre". 
"Escribo estas líneas en el avión de regreso a Madrid y pienso en que el teatro esencialmente consiste en detenernos a mirarnos para reconocernos en los Otros. Tal es su secreto. Porque, como escribió Donne, ningún ser humano es una isla. Y finalmente detrás de las palabras, detrás de las certidumbres, detrás de los idiomas, detrás del museo de los días, sólo hay hombres y mujeres intentando vivir del mejor modo".
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Fuente: Rocío García (elpais.com)
Es al final de esa noche tan larga y tan oscura, en ese amanecer que se sabe trágico, con el mar golpeando cerca, cuando el soldado dice por fin su nombre —“me llamo Sebastián, mi nombre es Sebastián”— y no miente sobre su edad —“voy a cumplir dieciocho”—. Es la confesión a un amigo que horas antes era un enemigo desconocido y al que le fue negando tenazmente sus dolores y carencias, sus angustias y la culpa que arrastra. Es el símbolo del muro que se ha desmoronado y con ello las banderas, los estandartes y los bandos de esa maldita guerra. La ideología es cosa interna de cada uno. El teniente de artillería, Rafael, también ha decidido poner palabras a su relato y ha llorado ante ese soldado desconocido por sus culpas y su amor intenso y feliz con un poeta. “Pagarán por cada lágrima y cada muerto… Los que te han obligado a estar aquí. Esos pagarán. Y los perseguirá la vergüenza hasta el último de sus días”, le dice Rafael, ya abrazado al desconsolado Sebastián. Las primeras luces del día inundan entonces esa lúgubre habitación de un hospital militar en Santander el 18 de agosto de 1937, justo un año después del asesinato en Granada de García Lorca. El mar sigue retumbando fuera.
La piedra oscura, título de una obra de teatro de Federico García Lorca, no se sabe si perdida o nunca escrita, de la que solo se conocen los personajes y los momentos iniciales, y en la que el poeta iba a abordar el tema de la homofobia, da título también a la pieza que el dramaturgo Alberto Conejero (Jaén, 1978) estrena el próximo miércoles en el teatro María Guerrero, de Madrid, bajo la dirección del argentino Pablo Messiez (Buenos Aires, 1974) y la interpretación de Daniel Grao y Nacho Sánchez. La piedra oscura, publicada por Ediciones Antígona con prólogo de Ian Gibson, está inspirada en el personaje real de Rafael Rodríguez Rapún, estudiante madrileño de Ingeniería de Minas, secretario del grupo teatral La Barraca y, según Ian Gibson, “el más hondo amor de Lorca”, que murió a los 25 años el 18 de agosto de 1937, luchando como teniente en el bando republicano tras las heridas sufridas en el frente de Santander, en Bárcena de Pie de Concha. A partir de hechos reales de la existencia de Rodríguez Rapún —dos años de investigación y testimonios directos de conocidos y familiares sobre este estudiante del que se conoce poco, hijo de un frutero y una criada, que muy joven vivió el impacto de conocer a Lorca no solo en su relación homosexual, sino también en ese explosivo y creativo entorno cultural de la II República en España—, Conejero teje un mosaico de ficción y fabula en torno a lo que pudo ser, pero no fue, la última noche de Rafael cuando, hecho prisionero por el bando nacional, pasó esas horas bajo la vigilancia de un jovencísimo e inexperto soldado que antes del comienzo de la contienda se dedicaba a las faenas del campo con su madre. Toda una construcción de una ausencia —nombres, datos y fechas son absolutamente reales— para poner sobre el escenario, de manera directa y emotiva, la necesidad de memoria colectiva —“¿cómo podemos seguir teniendo muertos en las cunetas?”, se pregunta Conejero, que prefiere hablar de memoria colectiva más que de memoria histórica—, pero también la redención a través del encuentro con el “otro” y la capacidad sanadora y salvadora del lenguaje cuando este se aborda sin manipulaciones. De alguna manera, la ficción le ha permitido al autor arrojar luz sobre la realidad.
Pablo Messiez, que con esta obra se estrena como director en el Centro Dramático Nacional, escenario que pisó en 2007 en su primer viaje a Madrid como actor con Un hombre que se ahoga, de Veronese, está fascinado. Se le ve exultante. Él, tan obsesionado siempre con el poder de la palabra, se ha encontrado con un texto que califica de “necesario y que trasciende una situación histórica concreta”. “El texto habla de la importancia de la memoria y de mantener los relatos de generación tras generación a través del poder de la palabra, de cómo cada uno de nosotros quedamos en la memoria de los otros. Es algo sobre lo que hay que volver una y otra vez. Y qué mejor que a través de Lorca y del teatro. Es una función que habla de la esencia del teatro, de repetir cada noche las palabras para que la historia no se olvide”. Pero, por encima de Lorca y de la tragedia de la guerra, La piedra oscura es, ante todo, según Messiez, el encuentro de dos personas que encarnan dos versiones diferentes y que, a medida que van poniendo palabras a sus relatos, palabras a las culpas que cada uno arrastra, van entrando en comunicación y se van acercando y sus cuerpos se transforman y sudan y lloran. “Lo más conmovedor es poder ser testigos del encuentro de esos dos seres humanos, tan alejados al inicio, y cómo se van necesitando poco a poco para acabar fundidos en un abrazo difícil de separar. Más allá de un trabajo arqueológico y de investigación sobre la historia, lo importante es dejarse llevar por la situación presente de estas dos personas que viven ante el espectador esa necesidad de encuentro profundo y verdadero entre ellas”.
Algo está pasando fuera de esas cuatro paredes lúgubres. Se oyen voces lejanas, gritos, portazos, órdenes. También el mar. Pero en esa habitación del hospital militar aguardan su destino dos hombres solos que no se conocen y que pertenecen a bandos enemigos. Uno es el guardián del otro, lleva una cruz colgada al cuello y tiene un fusil en el regazo. En la otra esquina, el prisionero, herido sobre un camastro sucio, con la camisa ensangrentada. Los dos nerviosos, angustiados. El guardián no quiere hablar, tampoco quiere oír las palabras del que tiene a su cargo —“Voy a aclararte una cosa. No me gusta hablar. Nunca me ha gustado hablar ni la compañía de los otros. No solo es el protocolo. No es solo que no nos convenga que alguien ahí fuera pueda escucharnos. Soy un hombre reservado. Piensa lo que quieras pero es así”—. El prisionero, Rafael, sí siente la necesidad de contar quién es, cómo se llama, quiénes son sus padres y hermanos, quiere que avisen a su familia si algo le ocurre… Insiste ante la cerrazón de su compañero. “¿Dónde estabas?”. “¿Cuándo?”. “Cuando empezó todo esto”. “Basta”. “Yo estaba en San Sebastián, de vacaciones…”. Y la conversación continúa y el soldado se va aflojando y cuenta que quería ser músico, que nunca fue al teatro y que a Lorca solo le oyó hablar una vez por la radio. Daniel Grao y Nacho Sánchez insisten en el tema del encuentro, ellos lo están viviendo en cada función de ensayo. “Es a partir de la escena donde nos contamos dónde nos pilló la guerra cuando todo se empieza a resquebrajar, la otra España, el bando contrario se desmorona y pierde todo el sentido. Es entonces cuando empiezan a aflorar los dos seres humanos con sus dolores y sus carencias”, asegura Grao, mientras Sánchez apunta: “Se ve cómo ambos personajes arrastran una culpa que comparten, que no les deja descansar y que todo ha sido provocado por ese suceso externo a ellos”. Y con el plus de belleza y admiración de “Federico y su teatro”, añade Grao, para quien esta función tiene un poder sanador. “En este encuentro no hay víctimas ni verdugos, ni malos ni buenos. Hay un punto de mayor conciencia y de pérdida del sentido de las banderas, las insignias y los estandartes de uno y otro bando. Es una manera sana de enfrentarse al pasado, de que cicatrice, pero para conseguirlo hay que enfrentarse a ello y no olvidarlo jamás”.
Y para que el espectador no olvide esa situación todavía inconclusa de los muertos en las cunetas, para que todos puedan detener un momento su mirada y ponerse en la piel de los familiares afectados, las 68 butacas de la sala de la Princesa del María Guerrero estarán cubiertas por unas camisas blancas con rastros de heridas y sangre, como la que lleva el prisionero Rafael, para, de manera simbólica, dar cabida en el teatro a los muertos de guerra. “Para ver esta función hay que sentarse sobre una ausencia”, dice Messiez.
La piedra oscura. De Alberto Conejero. Dirección: Pablo Messiez. Intérpretes: Daniel Grao y Nacho Sánchez. Teatro María Guerrero. Madrid. Del 14 de enero al 22 de febrero.

Encuentro con el enemigo

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Fuente: Rocío García ( elpais.com ) Es al final de esa noche tan larga y tan oscura, en ese amanecer que se sabe trágico, con el mar g...
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Fuente: Sergio C. Fanjul (elpais.com)
Que le organicen a un autor una retrospectiva de su trabajo, sobre todo cuando ese trabajo es efímero como el teatral y se esfuma después de cada función para solo permanecer en la memoria de quien estuvo allí, es una cosa muy buena. Cuando se da la circunstancia de que ese autor solo acaba de cumplir los 40, es una cosa aún mejor. “Es un regalazo”, dice el dramaturgo, actor y director Pablo Messiez a quien la sala Mirador, a propuesta de su actual programador, Juan Diego Botto, le dedica un ciclo este mes con tres de sus obras. “Decir retrospectiva me suena muy grande y me da como vergüenza”, bromea el autor, “pero envidio a los artistas plásticos: siempre se pone a cada una de sus obras en relación con el conjunto, y eso pasa poco en teatro. Me gusta que durante este mes se pueda ver dialogar a las tres obras, que se diga: ‘mirad lo que va haciendo este pibe”.
Una soleada mañana en la calle Dr. Fourquet, Lavapiés, enfrente de la sala Mirador Messiez se pregunta si posar en la foto con chaqueta. Decidimos que sí. “Lo que se me hace raro es decir chaqueta y no saco,como se dice en Argentina”. El dramaturgo llegó a España en 2005, procedente de Buenos Aires, y lo hizo por amor. Pero, a los dos meses, la relación que le hizo cruzar el charco con su vida a cuestas se rompió. Vaya chasco. De ese momento difícil surgió Los Ojos, que se podrá ver desde hoy y durante dos semanas. “Fue una mierda. Cuando esto sucedió me pregunté: ‘¿qué hago acá, cuando en Argentina estaba muy tranquilo trabajando como actor?”, recuerda. Pero no había opción para la vuelta atrás. “Empezaron a circular temas como el desarraigo, cómo gestionar el fin de un amor en tierras lejanas”, explica. La obra parte de la Marianela de Benito Pérez Galdós, de ahí toma los personajes de Marianela y el ciego y los cruza con su propia experiencia. “Para encontrarse con el otro muchas veces se olvida que primero hay que poder verle”, opina Messiez.
De no poder ver a no poder hablar. La segunda obra, durante las dos últimas semanas del mes, es Muda, título que hace referencia tanto a una mujer carente de la capacidad del habla, como al cambio, la muda, la mudanza. “Está inspirada por El corazón es un cazador solitario, de Carson McCullers, escritora de la que me declaro fan”, dice Messiez, “en especial en el personaje mudo al que todo el mundo habla, y todo el mundo siente que le contesta. Es el diálogo con el silencio que también se da en el psicoanálisis”, explica. Como buen argentino, Messiez cae en el tópico interés por esta terapia, en concreto en su vertiente lacaniana.Muda narra la peripecia de esa mujer muda que se muda a un piso nuevo, donde conoce al portero y a una vecina que no para de hablar, y los cambios que se producen en sus vidas.
Los domingos, en horario matinal, se representa Las Plantas, el monólogo (o diálogo con plantas, resaca y crisis de angustia) de Estefanía de los Santos, una de las actrices con las que Messiez suele trabajar frecuentemente, además de con Fernanda Orazi, Marianela Pensado u Oscar Velado. Se quedan fuera, por problemas de producción, su más reciente obra, Las Palabras, o su primer trabajo como autor en Argentina, Antes, que remozó en España rebautizándolo como Ahora. En estas fechas prepara, de nuevo como actor,Acreedores, dirigido por Claudia Faci, que se estrenará en octubre. Además, está dirigiendo la compañía madrileña Grumeolot el espectáculo Los brillantes empeños, que se estrenará en el Festival de Almagro.
Buenos Aires es conocida por su burbujeante escena teatral alternativa, algo de lo que presume Madrid últimamente, con la alta proliferación de salas y compañías. “No quisiera colaborar con ese fenómeno, la comparación es un lío”, dice, “es cierto que se están haciendo más cosas porque la gente tiene la valentía de hacerlas, y eso lo aplaudo, pero no existe ninguna revolución estética y las condiciones de trabajo están en franco retroceso”. Opina que el asunto es más cuantitativo que cualitativo: “En la promoción de festivales como Surge Madrid se hace mucho hincapié en el enorme número de salas, de estrenos, de compañías… Todo esto nos ciega, nos dificulta ver qué hay ahí, en vez de cuánto hay, que es menos importante”.

Messiez, autor del mes

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Fuente: Sergio C. Fanjul (e lpais.com ) Que le organicen a un autor una retrospectiva de su trabajo, sobre todo cuando ese trabajo es ...
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Bajo el lema Un clásico, un regalo, la 37 edición del Festival de Almagro se perfila como una cita imprescindible con la producción teatral más actual que se está realizando tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Por sus escenarios desfilarán grandes actores, actrices y directores: Carmen Machi, José Sacristán, José Luis Gómez, Natalia Millán, Israel Elejalde, Rafael Álvarez ‘El brujo', Helena Sanchís, Miguel del Arco, Helena Pimenta, Andrés Lima, Laila Ripoll, Lluis Pascual o Pablo Messiez. Entre los días 3 y 27 de julio un total de 52 compañías pondrán sobre las tablas 58 espectáculos en 98 representaciones. Para tal despliegue, el presupuesto total del festival ha ascendido a la cantidad de 1.312.763 euros, un 5,3% más respecto a 2013.


Asimismo, el XIV Premio Corral de Comedias, que se entrega el 3 de julio en el Corral de Comedias como acto inaugural, recae en esta ocasión en la actriz Julia Gutiérrez Caba de la que la organización ha destacado su carisma, rigor y elegancia. El clásico homenaje del festival será para el Centro de Documentación Teatral y tendrá lugar el 24 de julio.

Las 98 representaciones corren a cargo de 52 compañías. 41 de ellas tienen procedencia española: 24 de Madrid, cuatro de Castilla-La Mancha, tres de Cataluña, Islas Canarias, Castilla y León, Aragón, Comunidad Valenciana, Galicia y País Vasco. Las ocho restantes son internacionales y llegan desde Colombia, Cuba, Francia, Dinamarca, México, Reino Unido e Italia, que en esta edición es el País Invitado de Honor.

Este año tendrán una especial relevancia los espectáculos familiares que serán 25 en total. También se podrá disfrutar de 8 representaciones gratuitas, de las XXXVII Jornadas de Teatro Clásico de Almagro bajo el lema El dinero y la comedia española, de la IX Escuela de Verano de la Red para las profesiones técnicas del espectáculo en vivo; del II Encuentro Internacional de Crítica y Gestión Teatral y del Taller El camino del verso, impartido por Vicente Fuentes, entre otras muchas actividades.

El precio de las entradas oscilará entre los 4 y los 27 euros, con descuentos del 50% el día del espectador (por primera vez los jueves) y del 40% para menores de 21 años, mayores de 65 y desempleados. La programación se dividirá en varios espacios.

Corral de Comedias

Un día después de la entrega del premio Corral de Comedias a Julia Gutiérrez Caba, se podrá ver el estreno absoluto de Bobas & Gallegas en el mismo emplazamiento, el Corral de Comedias. El espectáculo dirigido por Quico Cadaval sobre textos de Calderón, Zamora y Lope durará hasta el 7 de julio. El 11 y 12 tendrá lugar otro estreno absoluto, Los brillantes empeños, función basada en textos del Siglo de Oro Español que corre a cargo del argentino Pablo Messiez.


Después será el turno de Confesiones de San Agustín el 13 de julio, obra dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente sobre textos del propio San Agustín. El siguiente montaje se escenificará el 17 de julio con ¡Gaudeamus!, versión libre de El licenciado Vidriera de Miguel de Cervantes. El 18 de julio se pondrá en pie la obra Así es, así fue, escrita por Juan Carlos Plaza Asperilla y dirigida por Laila Ripoll. El espectáculo La puta enamorada, escrito por Chema Cardeña y dirigido por Jesús Castejón, se subirá a las tablas el 19 y 20 de julio.

Cuatro días después, el 24 de julio, tendrá presencia en el mismo espacio el homenaje al Centro de Documentación Teatral. El 25 y 26 de julio será el turno de De fuera vendrá, obra de Agustín Moreto que dirige Ángel García Sánchez. La programación en el Corral de Comedias se cerrará con la obra de Tirso de MolinaEl pretendiente al revésdirigida por José Maya.


Hospital de San Juan

La Compañía Nacional de Teatro Clásico lleva dos montajes a este espacio. Del 3 al 13 de julio tendrá lugar el estreno absoluto de Donde hay agravios no hay celos de Rojas Zorilla y dirección de Helena Pimienta. Este escenario también contará con la obra El caballero de Olmedo de Lope de Vega del 18 al 27 de julio, función que Lluis Pasqual dirige con la misma compañía y el Teatro Lliure.

Antigua Universidad Renacentista, AUREA

Los días 4 y 5 de julio comparece el espectáculo Amleto en la Antigua Universidad Renacentista. Basado en Hamlet de Shakespeare, la obra la dirige el italiano Andrea Baracco. Un día después, el 6 de julio, otro espectáculo de Shakespeare se sube a este escenario, en esta ocasión Otelo, puesto en escena por Eduardo Vasco.


Del 9 al 13 de julio será Lope de Vega quien con dirección de Josep María Mestres escenificará La cortesía de España a cargo de la Joven Compañía Nacional de Teatro. El 18 y 19 de julio vuelve a este espacio un texto de Shakespeare con Los Mácbez, dirigida por Andrés Lima y basada en el original Macbeth. El día siguiente, el 20 de julio, se representará Las amistadas peligrosas de Choderlos de Laclos que dirige Dario Facal. Cinco días después, el 25 de julio, será la dirección de Gustavo Tambascio con ¿El Greco, decís?.

El 26 de julio será el turno de El castigo sin venganza de Lope de Vega que Ernesto Arias dirige con la Fundación Siglo de Oro (RAKATá). Otro texto de Lope de Vega, esta vez El perro del hortelano, también a cargo de la Fundación Siglo de Oro, se representará con dirección de Laurence Boswell y Rafael Díez-Labín. El último espectáculo que cerrará la programación de la Antigua Universidad Renacentista será Misántropo de Moliere, con versión y dirección de Miguel del Arco.


Espacio Miguel Narros

Este espacio anteriormente denominado como Plaza de Santo Domingo y que adquiere este nombre tras el fallecimiento del reconocido director Miguel Narros, arranca su programación los días 4, 5 y 6 de julio con La hermosa Jarifa,dirigida por Borja Rodríguez a partir de Historia del Abencerraje y de la hermosa Jarifa de Antonio de Vilegas, el Romancero popular y otras fuentes. Dos días después, se escenificará el nuevo espectáculo de Rafael Álvarez “El Brujo” La luz oscura de la fe el 8 y 9 de julio.


El 11 y 12 de julio la compañía Ron Lalá hace una versión libre de la novela de Cervantes con su espectáculo En un lugar del Quijote. Moliere es el autor que el 13 de julio se sube a las tablas del Espacio Miguel Narros con Anfitrión, un texto que dirige Eduardo Vasco. Tres días después, el 16 de julio, será el turno de la Banda Municipal, que actuará también el 23 de julio. El Teatro de la Danza lleva a las tablas el 18 de julio su espectáculo El lenguaje de tus ojos, escrito por Marivaux y dirigido por Amelia Ochandiano. El 19 y 20 de julio vuelve Lope de Vega con Las dos bandoleras de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y Factoría Escénica Internacional, dirigido por Carme Portaceli. Por último, el espectáculo El burgués gentilhombre de la compañía Mephisto Teatro es la función encargada de clausurar la programación en este espacio el 25 y 26 de julio.


Teatro Municipal

El Teatro Municipal de Almagro inaugura su programación con el ciclo Cómicos de la Lengua de la Compañía Real Academia Española, que se compone de los siguientes espectáculos: Escrito por Teresa de Ávila, interpretado por Julia Gutierrez Caba el 4 de julio; La Celestina, escenificado por Beatriz Arguello,Israel Elejalde y Carmen Machi también el 4 de julio; Cantar del Mio Cid,puesto en pie por José Luis Gómez el 5 de julio; Duelo de plumas: Góngora - Quevedo, interpretado por Helio Pedregal y José Sacristán también el 5 de julio. Y, por último, Don Quijote de la Mancha, a cargo de Ernesto Arias el 6 de julio.


En este mismo espacio también tiene lugar el 3° certamen Barroco Infantil que se desarrollará del 11 al 16 de julio. El espectáculo ganador del certamen exhibirá como premio su espectáculo los días 19 y 20 de julio. En el Teatro Municipal, además, tendrá lugar la representación de La discreta enamora de Lope de Vega el 22 de julio con dirección de Gonzála Martín Scherman y Cuento de Invierno de Shakespeare el 23 de julio con dirección de Carlos Martínez Abarca.

Por último, en el singular espacio de La Veleta vuelve a celebrarse, por cuarto año consecutivo, el Certamen Internacional Almagro Off del 14 al 23 de julio y la Plaza Mayor, al aire libre, acogerá tres espectáculos: Un viaje a través de la historia de la tarantela de la compañía italiana Arakne Mediterranea el 3 de julio;El enfermo imaginario de Moliere con dirección de Severiano García Noda el 16 de julio; y La banda de Lázaro el 24 de julio, basada en Lazarillo de Tormes y con dirección de Antonio Laguna. 
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