un espectáculo de MICHÈLE ANNE DE MEY, JACO VAN DORMAEL y el colectivo KISS & CRY
textos de THOMAS GUNZIG
en creación colectiva con GRÉGORY GROSJEAN, THOMAS GUNZIG, JLIEN LAMBERT, SILVYE OLIVÉ, NICOLAS OLIVER
con la participación de THOMAS BENI, GLADYS BROOKFIELD-HAMPSON, BORIS CEKEVDA, GABRIELLA LACONO, AURÉLIE LEPORCQ, BRUNO OLIVER y STEFANO SERRA
y en gira con MANUELA RASALDI, NORA ALBERDI, GRÉGORY GROSJEAN, HARRY CLEVEN, JULIEN LAMBERT, PIERRE DE WURSTEMBERGE, BORIS CEKEVDA, YANN HOOGSTOEL, IVAN FOX, STEFANO SERRA, THOMAS DOBRUSKÈS y THOMAS COTTOM
duración 1h 15min
fotografía JULIEN LAMBERT
producción ASTRAGALES ASBL
FESTIVAL TNT

Podría comenzar diciendo What a f*cking maravilla! y a partir de ahí un seguido e interminable enunciado de adjetivos para describir todo lo que se me pasaba por la cabeza mientras veía y disfrutaba como una niña con zapatos nuevos, pero mejor intentar explicar lo que mis ojos vieron sin necesidad de recurrir a un diccionario.

No es la primera vez que vemos cine en teatro (este Grec Katie Mitchell nos maravilló con Ombra (Parla Eurídice), que el teatro de objetos se vuelve descomunal y nuestros ojos son los que deciden si ver el making of o ver el metraje ya montado. Una road-movie que signan los miembros del colectivo Kiss&Cry con una puesta en escena espectacularmente milimetrada donde no hay un plano superficial sino que maqueta tras maqueta provoca que el público se quede boquiabierto.



Nunca unas manos dieron tanto juego y dejaron de dibujarse como meras extremidades para acabar siendo formas y figuras hasta ahora impensables. Preciosidad artística pero donde la técnica tiene todo a ganar. Las cámaras que pueblan el escenario y que incluso ponen a prueba el ojo humano.

El espectáculo narra siete posibles maneras de morir. Pero no sólo se pone a prueba la vista, sino también el oído gracias a una narración, en el TNT en catalán, que relata cada una de esas 7 manera de manera totalmente inversemblante, no ya en la forma de narrar sino más bien en el fondo, en la manera en sí. La voz es una pincelada más al surrealismo escénico de las imágenes.

Cold blood es una preciosidad escénica. Todo un trabajo de artesanía que entra por los ojos pero que explota directamente en el corazón. Casi la totalidad de la platea, desde el primer bis, puesta de pie para aplaudir con unas manos similares a las que nos han ofrecido durante la velada. What a f*cking maravilla!

COLD BLOOD

by on 20:49
un espectáculo de MICHÈLE ANNE DE MEY, JACO VAN DORMAEL y el colectivo KISS & CRY textos de THOMAS GUNZIG en creación colectiva ...

dirección y creación ANA VALLÉS
intérpretes MÒNICA GARCÍA, NÚRIA SOTELO, CELESTE GONZÁLEZ, RICARDO SANTANA, ÒSCAR CODESIDO y ANA VALLÉS
coreografías MÒNICA GARCÍA, NÚRIA SOTELO, CELESTE GONZÁLEZ y RICARDO SANTANA
duración 1h 30min
fotografías RUBEN VILANOVA
producción MATARILET TEATRO
FESTIVAL TNT

El arte de lo grotesco. Un viaje al underground del Nueva York de los años 70, pasado por la pátina de las primeras películas de Pedro Almodóvar. Escenario en forma de U, donde el público se ve cara a cara con los artistas. Atmósfera de un rojo deslumbrante que aumenta la presencia de un estado de ánimo con cierto toque de petardeo.

Los diferentes seres que pueblan este cabaret circense, más de los primero que de lo segundo, todo sea dicho, entran y salen de la pasarela escénica lanzando consignas para sustentar la necesidad de su presencia. Quererse o dejarse querer, la libertad de ser quien eres, los sueños (los tuyos y los de la persona de al lado), cuidado con lo que deseas.



Este conjunto de bichos raros se niegan a abandonar, estas pulgas no quieren bajarse del trapecio, buscarán los motivos más extraños para seguir paseándose por escena. Circo de pulgas es una crítica ácida a los bajos fondos sociales y a su presencia en la esfera pública. A aquellos que nacieron para ser estrellas pero que la sociedad les convirtió en seres estrellados. ¿Rendirse o volver a empolvar sus mejillas y seguir saltando?

Lejos de caer en lo light más común del petardeo común, Circo de pulgas tira de enciclopedia cultural, la representación de un cuadro de Rembrandt (Lección de Anatomía del Doctor Nicolaes Tulp) o de un típico bodegón. Todo perfecto hasta que aparece Celeste González paseando su cuerpo desnudo, simplemente leaving the hat on e intentando incomodar al público sobre su naturaleza. Quizás la parte que por desvirtuada más prescindible. Porque ya que estamos en los 80's, A quién le importa.



De seres "anómalos" está la tierra llena, y aunque el discurso y la crítica que esconde el espectáculo es interesante y más en la época donde el 'tapón generacional' está en boca de todos, a la puesta en escena le sobra texto, hubiera sido más recomendable observar más momentos de cuadro mudo donde se pudiera afirmar sin lugar al error aquello de más hechos y menos palabras

La mejor parte de la pieza es cuando más canalla se pone, la parte más onírica, de pesadilla es eclecticismo en estado puro, el arte de la sugerencia sin necesidad de pronunciar una sola palabra. Todo este circo para afirmar que no hay nada nuevo bajo el sol y simplemente vuelve a mi cabeza una y otra vez, aquello de ¡malditos 80's!

CIRCO DE PULGAS

by on 19:56
dirección y creación ANA VALLÉS intérpretes MÒNICA GARCÍA, NÚRIA SOTELO, CELESTE GONZÁLEZ, RICARDO SANTANA, ÒSCAR CODESIDO y ANA VALLÉ...

creación e intérpretes DAVID FERNÁNDEZ y MAUREEN LÓPEZ
concepto, producción y vídeo DAVID FERNÁNDEZ
duración 60min
fotografías JERÓNIMO ÁLVAREZ
FESTIVAL TNT

Y si la búsqueda del placer de mirar y ser mirado de la anterior pieza, A nation is born in me, nos había parecido poco, No future yes amplia el rango y nos somete a la omnipresencia de las pantallas. Vivimos mirando para una, del tamaño que sea, casi todas nuestras relaciones personales pasan por tener una de ellas en las manos. Y, ahora además de pantallas tenemos robots, como mascotas, como seres animados que no necesitan más que batería para seguir haciendo todo aquello que les ordenemos que hagan. ¿seguimos siendo dueños de nuestras vidas? ¿somos nosotros los que les mandamos o son ellos los que nos dominan?

El tecnópata David Fernández demuestra sus habilidades en escena, ya no sólo con un sorprendente manejo de las 3 tabletas (la marca de la manzana todavía no paga las críticas) sino moviendo el pequeño robot araña, que aunque no te gusten este tipo de insectos, te acabará por caer hasta gracioso su versión tecnológica. 

La performance es una crítica continua a nuestro futuro rodeados o inundados de tanta tecnología, nos acabaremos convirtiendo todos a lo que ya parece más una secta que una manera cualquiera de actuar. ¿dónde están los límites en su uso? Es esto lo que pone de relieve una pieza donde sus límites los debe marcar el presupuesto, ya que la versatilidad de quien los maneja no parece querer acabar nunca el proyecto.

Quizás no sea necesario volcar en todos los espectáculos las infinitas posibilidades tecnológicas de las que disponemos, qué futuro nos espera si substituimos las experiencias de piel por el plástico de cualquier robot. ¿dónde queda la esencia? Y aunque la experiencia es interesante, una servidora prefiere seguir con espectáculos de carne y hueso.

NO FUTURE YES

by on 15:27
creación e intérpretes DAVID FERNÁNDEZ y MAUREEN LÓPEZ concepto, producción y vídeo DAVID FERNÁNDEZ duración 60min fotografías JER...

idea, texto, creación e interpretación SOREN EVINSON
música DANIEL PAPELL
acompañamiento dramatúrgico FLORINE LINDNER
duración 60min
fotografía MARTA GARCIA
producción FESTIVAL TNT-TERRASSA NOVES TENDÈNCIES, LE PHÉNIX VALENCIENNES, ANTIC TEATRE y KULTURFABRIK
FESTIVAL TNT

El placer como síntoma, como meta, como única cosa que nos mueve y que aspiramos tener. El placer como la bestia que nos atrapa como la droga más adicta de todas. El blanco como elemento catalizador de una inocencia desdibujada inunda el escenario. Mientras el onanismo escénico is about to start, bitches!

Con una fiscicalidad espeluznante Soren Evinson se exhibe ante su público, sólo por el placer de mirar, sólo por placer de ser visto. Una crítica de la tan imperiosa necesidad humana de ser ad-mirado. La sociedad que valora la imagen por encima de todo, que busca incansablemente un disfrute fácil y que vive por y para el exhibicionismo y la pose (postureo). Y es, quizás en este punto, donde la performance desvirtúa su objetivo  y recurre/ insiste en exceso en la actitud de la pose.

Mientras esperamos que la bestia vuelva a escena, la pieza tira de épica al enarbolar la bandera, aquella (sea la que sea) en la que nos sentimos protegidos porque nos "identifica como personas". Amor y odio se dan la mano, discuten, se pelean y todo por un sueño, por una meta, por ser alguien, por ser... como todos. 

A NATION IS BORN IN ME

by on 14:40
idea, texto, creación e interpretación SOREN EVINSON música DANIEL PAPELL acompañamiento dramatúrgico FLORINE LINDNER duración 60m...

creación TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ y LAIDA AZKONA GOñI
dramaturgia TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ 
coreografia LAIDA AZKONA GOñI
intérpretes TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ y LAIDA AZKONA GOñI
duración 1h 30min
fotografías MARTA GARCÍA
producción FESTIVAL TNT-TERRASSA NOVES TENDÈNCIES, ANTIC TEATRE DE BARCELONA y AZKONA-TOLOZA
TEATRE ALEGRIA (FESTIVAL TNT)

¿Qué tiene en común los mapuches argentinos con la marca de ropa Benetton? A través de una dilatada narrativa dramaturgica, mucho más de lo que nos podíamos esperar en un primer momento. Tierras del Sud pone sobre la mesa el problema de la colonización que en pleno siglo XXI sigue más presente que nunca. Aunque la época de Colón parece olvidada en las cabezas de los profesores de historia, los colones actuales son mucho más poderosos y sanguinarios que los del siglo XV.

Txalo Toloza y Laida Azkona basan la pieza en una amplia explicación de cómo esta colonización está muy arraigada en nuestras conciencias que no somos capaces de distinguirla y cómo las cloacas de los estados la acogen con los brazos abiertos. Datos y más datos que pasan por nuestros ojos y mentes sin necesidad de arraigo simplemente como cualquier cosa que escuchemos durante el día. La dramaturgia textual necesita encontrar el concreto para no disiparse.



Los testimonios de los afectados, de las víctimas de este sistema capitalista voraz en el que estamos instalados se intercalan con una profunda dosis de soliloquios de los intérpretes mientras construyen pequeños poblados en escena. La parte más audiovisual de la pieza es proyectada como telón de fondo de la explicación principal.

La performance sentencia nuestras consciencias con frases tan poderosas como "el verdadero problema es aquel que no se ve". Un sinfín de balas que pretenden ametrallar a un establishment que ni se inmuta. Ya lo dijo Thomas Hobbes "el hombre es un lobo para el hombre". Ponte los cascos y escucha, ¿o no?

TIERRAS DEL SUD

by on 14:02
creación TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ y LAIDA AZKONA GOñI dramaturgia TXALO TOLOZA-FERNÁNDEZ  coreografia LAIDA AZKONA GOñI intérpretes ...

música original JEANINE TESORI
libreto y letras LISA KRON
basado en la novela gráfica de ALISON BRECHDEL
adaptación al catalán DANIEL ANGLÈS y MARC GÓMEZ
direcció DANIEL ANGLÈS
direcció musical MIQUEL TEJADA
coreografia ÒSCAR REYES
intérpretes MARIONA CASTILLO, DANIEL ANGLÈS, PILAR CAPELLADES, CLARA SOLÉ, JÚLIA JOVÉ, MARC ANDURELL, LARA KATE ALBERTOS/NOA FLORES/MARIONA LLEONART, FERRAN ALEGRE/ ALEIX COLOMER / DANIEL PÉREZ, MIQUEL CAMPS/ JAN GAVILAN/ STEL˙LA TARRADELLAS
duración 1h 40min
fotografías ÀGATA CASANOVAS
producción NO DAY BUT TODAY
ONYRIC-TEATRE CONDAL-

Una cosa está clara si hubiese más musicales del calibre y producción de Fun Home habría muchos más musical lovers, los escépticos de "a mi sólo me gustan los de West End y los de Broadway", como una servidora, desaparecerían o se tendrían que morder la lengua.  
Un musical basado en hechos reales y en un cómic de Alison Brechdel en el que se explica la infancia y la época de la universidad de su autora. Época de aceptación y de fantasmas del pasado que aparecen para saldar cuentas. Y aunque el protagonismo recae en su figura, al lado emerge otra muy importante, su padre del que comienza a conocer todo un pasado oscuro que no le habían explicado hasta entonces.



Fun Home cuenta con una producción muy bien cuidada, olvidaros de las escenografías de cartón piedra que decoran a muchos musicales autóctonos, la impresionante casa-museo, diseñada por Raquel Ibort, Marc Salicrú y Marc Udina, que se nos muestra nada más levantar el telón nos deja boquiabiertos. De la misma manera que el tándem tan necesario de diseño de iluminación de Xavi Costas y sonido de Jordi Balbé. Todo un viaje visual a los años 70 donde en los que tiene lugar la infancia de la protagonista.

Mariona Castillo, que estamos acostumbrados a verla en propuestas musicales de pequeño formato, dibuja a la perfección la Alison adulta y nos conduce por las diferentes etapas de la protagonista. Su voz acompaña a uno de los descubrimientos de la noche, Clara Solé, la Alison joven. A Solé ya habíamos visto en otros musicales como El Despertar de la primavera o Tot el que no ens vam dir pero en esta ocasión su etapa del personaje es la que más toca la fibra, cómo es capaz de transmitir la pérdida de una inocencia a nivel emocional y cómo asumir la caída de uno de los primeros mitos vitales, la figura paterna.



Daniel Anglès se auto dirige como la figura paternal de la obra. Un personaje que a pesar de quedar en un segundo plano, porque la protagonista es Alison, camina con cierta dificultad por no caer en un estereotipo manido. En determinadas escenas parece que le falta auto convencimiento de sus propias palabras. Sus mejores momentos aparecen cuando el baúl de los secretos ya se ha abierto de par en par y el final es inevitable.

La inauguración del proyecto Onyric que dirige el mismo Anglès no podía tener mejor carta de presentación. Esperemos que el siguiente plato sea igual de gustoso que el entrante. Tenemos ganas de volver a sentarnos en las cómodas butacas del Condal y poder afirmar que hoy, Londres queda un poco más cerca.

FUN HOME

by on 18:55
música original JEANINE TESORI libreto y letras LISA KRON basado en la novela gráfica de ALISON BRECHDEL adaptación al catalán DAN...

autor ALBERT TOLA
dramaturgia y dirección ANDREA SEGURA
intérpretes LAI ALBERCH, ISABELLE BRES y ELENA FORTUNY
duración 60min
fotografías DAVID RUANO
producción COMPANYIA A3 & TEATRE AKADÈMIA
TEATRE AKADÈMIA

La Companyia A3 fue uno de mis descubrimientos de la temporada pasada. En la misma sala que esta temporada presentaron Yes, Potser de Marguerite Duras, un texto de teatro del absurdo con una producción brillante. En esta ocasión nos presentan una propuesta más realista que la anterior, pero con un mundo interior lleno de sueños y una dramaturgia que transcurre entre la realidad y el espejismo de ella.

Sarab nos presenta tres mujeres de la misma familia que comparten no sólo parentesco (abuela, madre e hija) sino también nombre y lo que esto significa, como si con el nombre viniera marcado una especie de DNI que las hace fugitivas no sólo de ellas mismas sino también de todo lo que tiene a su alrededor (personal, animal o cosa).

Argentina, la tierra madre de la abuela, aquella de la que partió cuchillos en mano, para abrirse sitio en Barcelona, montando también su carnicería, y como buena carnicera deja un legado de despieces a su hija, falta del cariño y de las atenciones de su progenitora, que calca casi al milímetro con su hija.



En una escenografía con una caja negra desprotegida en el que sólo habitan cuatro escaleras y un baúl, la importancia de una poderosa iluminación de Maria Domènech (AAI) y de un espacio sonoro de Raquel Tomàs y Jordi Pascual que nos transportan a la perfección a los universos de cada uno de los personajes.

La dirección de Andrea Segura sabe cuidar los detalles. En un montaje donde los silencios y los movimientos importan tanto o más que el texto, ese cuidado marca la diferencia en que te sumerjas en la historia o que te pase por encima. Contar con tres actrices tan entregadas como Elena Fortuny, Isabelle Bres y Laia Alberch hace que todos los elementos acaben por encajar. Ni una fisura, sus interpretaciones se complementan de una manera mágica, es una maravilla verlas interpretar.





Albert Tola, fiel a su estilo, quien haya visto otros textos del autor puede ver rasgos similares en cada uno de ellos, juega con la realidad y la imaginación, con las acciones, los sentimientos y los anhelos de las protagonistas. Sarab es un texto descriptivo y tendente al monólogo, con algunos momentos donde parece romperse el soliloquio pero que es otro espejismo más. Hay un punto donde la dramaturgia te atrapa, te da la mano y no te la suelta hasta el final.

SARAB

by on 19:45
autor ALBERT TOLA dramaturgia y dirección ANDREA SEGURA intérpretes LAI ALBERCH, ISABELLE BRES y ELENA FORTUNY duración 60min fo...

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Me sigue sin gustar el vocablo "teatro joven", sigo siendo de las que creo que los jóvenes pueden ver cosas "de mayores" sin ningún problema y que son tantas etiquetas las que provocan que se alejen en vez de acercarse. Dicho lo cual, si no lo digo exploto, hay iniciativas que sirven para acercar a esta franja de público (de 13 a 20 años) a estimar el teatro como lo hacemos los frikis que respiramos y poblamos semana tras semana las plateas.

En esta segunda edición (del 11 al 16 de octubre) el Festival RBLS se traslada al Teatre Tantarantana y exhibirá dos de los éxitos de pequeño formato de la temporada pasada: AKA (As Known As) y Los bancos regalan sandwiches y chorizos. Además de estos dos grandes éxitos, el festival también programará tres obras más: El Agitador Vórtex, una propuesta multidisciplinar de Cris Blanco que combina teatro y cine y una selección de tres micro piezas teatrales salidas del Festival Píndoles (RRHH De Lara Díez, Duel de Juanjo Martín y Welcome to Berlín de Núria Delofeu).


La misión de RBLS es hacer llegar la pasión y el amor por el teatro, involucrando a los jóvenes en los procesos de creación a través de diferentes actividades y workshops. Uno de esos ejemplos es el Taller Escènic Comunitari  coordinado y dirigido por el colectivo ASSALTEM L'ESCENARI, formado por Mireia Gubianas, Irene Hernández y Davo Marín. El proyecto llevará el nombre de (DES) CONNECTATS y como su propio nombre indica ofrece a un grupo de jóvenes la posibilidad de poder reflexionar y trabajar la dependencia que tenemos de los dispositivos móviles y las redes sociales.

El Ciclo OFF RBLS se centrará en una de las etapas más complicadas de la adolescencia, la aceptación y definición del cuerpo/ identidad. Con el título Cos i identitat se podrán ver tres piezas breves más un coloquio posterior: Cospress, un espectáculo de teatro físico de la compañía Kimani que se adentra en los problemas derivados del culto al cuerpo; Freeze the Nipple de Aina Trubat, una comedia que reflexiona sobre la cosificación de la mujer y Albert/ Berta de Marc Rosich (a partir de Limbo) y la Cia. TeDebat, sobre el transgénero y la aceptación de la propia identidad sexual.



Fuera del Tantarantana, al Centre Cívic Cotxeres Borrell aglutinará el 13 de octubre todos los workshops y talleres del RBLS: un taller de coreografías musicales con el bailarín y coreógrafo Guillem Cirera; un workshop de teatro sensorial con Eva Pérez y Giovanna Pezzullo, integrantes de Teatro de los Sentidos; un taller con uno de los coreógrafos catalanes con más proyección internacional, Tomeu Vergés o un taller de introducción a la escritura teatral para jóvenes impartido por el dramaturgo y director teatral Antonio Morcillo.



dirección y dramaturgia QUERALT RIERA
intérpretes ANNABEL CASTAN, PATRÍCIA MENDOZA y NÚRIA TOMÁS
duración 70min
fotografías MERCÈ RAMIREZ y MARIA JESÚS MULÀ
producción NUQART
SALA ATRIUM

A veces hay que perder el tren, es necesario. Unos trenes son para cogerlos al vuelo y otros mejor perderlos. La protagonista de este monólogo, a tres voces, cogió un tren que no era para ella, y se estrelló. Perdió lo poco que tenía bajo la promesa de vivir una vida soñada. Pero, la línea entre el sueño y la pesadilla es demasiado delgada.

Un viaje de ida y vuelta Santander- NY tan rápido como los recuerdos los permitan. La vida de una mujer que desde que su madre la abandona no parece haber retomado el rumbo. Un padre que nunca le prestó atención, un seguido de abusos de los hombres que en ciertos momentos han entrado en su vida y el deseo de volar más alto, de salir de la jaula donde la han encerrado. 



Igual que los trenes hay textos que no nacen para ser representados. Cuando un montaje basa todo su potencial en el texto, éste debe ser capaz de aguantar todo el peso que recaiga en él. Aquí es un texto basado en la fragmentación, palabras sueltas que conforman frases inacabadas, que construyen universos étereos, que acaban en la nada. 

Como espectadora me canso de sentir voces, gritos, pensamientos inconexos durante más de una hora. Es obvio que la tragedia por la que pasa la protagonista la aboca hacia la locura, del estado de shock inicial hasta la pérdida de sentido, lugar y tiempo, pero el modo repetición constante aboca al público al aburrimiento y a mirar el reloj.

Pasar de Santander a Nueva York en pleno 2018 no es nada del otro mundo. La Grand Central Station impresiona estés o no en shock pero no deja de ser una anécdota y como metáfora del centro del mundo, de vivir apartada de la sociedad y en medio de la nada no sé si se aguanta, me atrevería a afirmar que no.



La dramaturgia hiere de muerte el montaje porque el texto no funciona y la dirección de la propia dramaturga tampoco ha sido capaz de pulir las faltas de ésta. Las tres intérpretes intentan, con poco, salvar los muebles, y pese a sus esfuerzos, el barco naufraga. Falta naturalidad, credibilidad, hay exceso de pose y algún que otro momento de sobreactuación al dejarse llevar por una felicidad excesivamente impuesta. Es un lástima que de este tren me tenga que apear casi en marcha.

AQUÍ de Santander a NY

by on 18:24
dirección y dramaturgia QUERALT RIERA intérpretes ANNABEL CASTAN, PATRÍCIA MENDOZA y NÚRIA TOMÁS duración 70min fotografías MERC...

autor JOHN O'DONOVAN
adaptación ALBERTO DÍAZ y GEMMA BELTRAN ANIENTO
traducción GEMMA BELTRAN ANIENTO
dirección ALBERTO DÍAZ
intérpretes MARC BALAGUER y PAU ESCOBAR
duración 75min
fotografías JUDITH GÓMEZ, XAVI GARCÍA, JOEL HOWELS y CARMEN GARCÍA
ÀTIC22

No hace ni un mes que Twitter estaba colapsado de historias personales de vivencias LGTBI+ bajo la etiqueta de #MeQueer. Aquellos niños y adolescentes que fuimos y que no teníamos ejemplos conocidos en los que sentirnos identificados sobre lo que nos pasaba no era una enfermedad contagiosa que tuviera que ser eliminada. Todo esto me pasaba por la cabeza mientras veía este montaje, ¡qué suerte tienen los adolescentes que ayer llenaban la terraza del Tantaratana con una historia que empatice con sus vidas!

Una noche de San Juan en una ciudad pequeña, mientras esperan a que comience la fiesta los dos protagonistas tienen (aparentemente) todo lo que necesitan: alcohol, pasta, drogas y el uno al otro, pero están atrapados en la terraza de un edificio porque les persigue la policía, mientras esperan comienzan a salir las verdades.



Si tinguéssim més coca... es una comedia romántica agridulce. Por más coca que se tomen, nuestros protagonistas son unos perdedores porque son incapaces de enfrentarse a un mundo que no para de darles la espalda. Con un cierto toque de road-movie, el montaje tiene giros de ternura que dejan entrever la verdadera naturaleza de ambos protagonistas. La supuesta careta de "malotes" vitales deja paso a una humanidad que sorprende. 

Tanto Marc Balaguer como Pau Escobar transitan con gran acierto por estos personajes que se van rompiendo y destapando su verdadera cara a lo largo del espectáculo pero me quedo con la interpretación completamente desde las entrañas de Marc Balaguer, quizás el que más fachada externa de "malote" tiene, en un primer momento, y que se "desnuda" en una sorpresiva ternura provocada por un profundo sentimiento de soledad y dolor.



Si tinguéssim més coca... nació para representarse en el proyecto Terrats en cultura, que como su propio nombre indica son montajes que se representan en terrazas, patios... de diferentes barrios de Barcelona. Por eso la terraza, en el último piso del Teatre Tantarantana, le sienta como un guante al montaje. Alberto Díaz ha sabido encontrar la manera de trasladar la acción al pequeño espacio compartido entre escenario y mini platea. La verdad es que no hay sensación alguna de angustia más allá de lo que se describe en el texto. Sin duda, la acción fluye acompañada de un público ávido por disfrutar de una buena historia. Y el resultado se nota en los aplausos que denotan un amor por lo que acabamos de ver, un amor por las pequeñas grandes historias, siempre tan necesarias.


idea original VAGINA DE ANNA TAMAYO
intérprete ANNA TAMAYO
dirección de la intérprete JOSÉ TOBELLA
dirección del espectáculo TODO EL EQUIPO
composición y música en directo JOANGE
asesoramiento de movimiento VALENTINA AZZATI
acompañamiento Arte Terapéutico MERCÈ ALEGRE
duración 60min
SALA FENIX

Estamos en un contexto social que ir a ver este espectáculo es de obligado cumplimiento para tod@s. Se nos presenta como un cabaret canalla y tierno. Y por una vez el "marketing" es acertado, incluso diría más es de esos espectáculos que te atrapa por la risa para luego soltarte una bomba que te deja boquiabierto, de aquellas que se te quedan en la piel marcadas.

Cándida aprovecha bien el doble lenguaje. Por un lado utiliza su nombre para hablarnos de la candidiasis, una de las enfermedades femeninas que viven en los bajos fondos olvidadas por ser  eso, únicamente femeninas, y se aprovecha el tiro para hablar de todo aquello que no forma parte de la agenda social porque sólo afecta a la "mitad" de la población no masculina. Brillante y de sobras conocido el diálogo con médicos y/o ginecólogos, quien dice diálogo dice interrogatorio, claro. Por otro lado, cándida es lo que el adjetivo describe, la inocencia, la vuelta a una infancia aparentemente feliz.



Cándida no es un monólogo es un diálogo multidisciplinar constante. El movimiento marca todo tiempo el ritmo del montaje, y remarca aquellos momentos donde las palabras sobran y no hay nada mejor que expresarse con un gesto o con un movimiento concreto. Al igual que la música y espacio sonoro que imprime Joange, cuánto se puede llegar a expresar con tan poco.

Anna Tamayo es un torrente de energía y sentimiento encima del escenario. Es capaz de salirse de los límites del pequeño espacio de la Sala Fènix y atrapar a la platea entera con un simple gesto, una mirada o un guiño. La entrega es total y de los sucesivos cambios de registro, momentos de felicidad extrema contrarrestan con otros donde la piel de gallina es la protagonista, sale completamente indemne, a pesar de protagonizar una montaña rusa emocional.



La puesta en escena es simple pero efectiva. Una estancia que lo mismo es un patio de una casa con tendedero incluido, que una estancia más interior, que la consulta de un médico... realmente el focus del espectador está centrado en su figura, en sus movimientos, en sus palabras, en sus acciones. 

Cuando las luces se apagan y la realidad te vuelve a dar un manotazo en la cara, aplaudes, pero realmente te gustaría gritarle: "viva tu coño, Anna Tamayo". Por crear un espectáculo que hable claro, que no se esconde detrás de la careta de nada, que es tal com raja, que te lo puedes beber gota a gota o de un sorbo largo. Que te deja tocada, pero feliz porque no eres la única, porque cada vez somos más. Empoderd@s o lo que sea. Pero somos. ¡No te lo dejes perder!

CÁNDIDA

by on 12:58
idea original VAGINA DE ANNA TAMAYO intérprete ANNA TAMAYO dirección de la intérprete JOSÉ TOBELLA dirección del espectáculo TODO ...

dramaturgia y dirección SERGI BELBEL
intérpretes ENRIC CAMBRAY, ROC ESQUIUS, GEMMA MARTÍNEZ y NÚRIA SANMARTÍ
duración 80min
fotografías EL TERRAT
producción EL TERRAT
BARTS

Con una promesa de un buen rato de risas a base de teatro del absurdo, un género tan olvidado como denostado, pero al que agarrarnos cuando vivimos en tiempos en que si nos lo tomáramos todo al pie de la letra, la vida sería muy aburrida. Aquí hemos venido a hacer todo lo contrario. Un Carpe Diem en modo repeat continuo hasta que la cuerda aguante.

Afirma Sergi Belbel en el programa de mano que "enamorarse es un buen problema" y a tenor por los enredos surrealistas que acabamos de presenciar debe ser cierto, y más cuando te enamoras de la persona equivocada. 


El engranaje de Les roses de la vida funciona basándose en unos pilares de sobra conocidos. Uno, quizás es más importante, es un continuo juego de palabras, de lenguajes, donde el habla coloquial se da de bruces con una manera de expresarse con toques arcaicos y rimbombantes que causan la risotada general. En este sentido también choca una pedantería de uno de los personajes que desmonta cualquier argumento en contra y ante el cual es imposible que no se te escape la risa.

Otro de los pilares imprescindible de cualquier comedia es tener un reparto de primera y aquí queda demostrado con un Enric Cambray que domina la escena y que se siente como pez en el agua con un personaje, afectado por naturaleza, que le sienta mucho mejor, para ser sinceros, que el traje rosa. Las tablas juegan a favor para que Cambray consiga sacar todo el jugo a su variopinto personaje. En la parte femenina destaca Gemma Martínez que, a pesar de tener un personaje que roza y supera de largo el tópico de mujer poderosa y odiosa, consigue que el público empatice con ella con un monólogo descriptivo (hasta aquí puedo leer) que deja a la platea boquiabierta dispuesta a aplaudir con las manos abiertas.



La puesta en escena es minimalista, dos sillones rojos, aquí todo es rosa y rojo, colores estridentes para que no puedas, aunque quieras, despegar la vista del escenario. Con platea a la italiana del Barts pocas viguerías se pueden hacer, pero Belbel opta por romper la cuarta pared y sacar a los personajes del escenario, en un final inesperado por todo lo alto con un toque muy kirsch.

Surrealismo en estado puro, a veces excesivo (como la escena tan superflua y totalmente prescindible del perro) pero que provoca que durante 80 minutos no dejes de reírte y abandones los problemas a la puerta. Si te quieres enamorar o no eso ya lo tendrá que decidir el público una vez salga por la puerta. De momento, cerramos el paréntesis y nos quedamos con eso de vive y deja vivir.

LES ROSES DE LA VIDA

by on 17:52
dramaturgia y dirección SERGI BELBEL intérpretes ENRIC CAMBRAY, ROC ESQUIUS, GEMMA MARTÍNEZ y NÚRIA SANMARTÍ duración 80min fotogr...

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Estamos viviendo unos momentos que hasta el humor da miedo pero Gastón Core ha decidido apostar por él para presentar la nueva temporada de la Sala Hiroshima. Disfrazado de dinosaurio se ha presentado delante de los periodistas. Toda una crítica al sistema cultural en el que parece asentado Barcelona, y que el director de la sala insiste en que se está cargando la posibilidad de disidencia de las propuestas que disienten de salirse de los cánones establecidos.

La Sala Hiroshima seguirá apostando por la calidad y por descubrirnos nuevos nombres de danza y creaciones híbridas de fuera de nuestras fronteras. De las 15 propuestas que componen la temporada, la mitad es internacional y 9 de ellas están dirigidas por mujeres. Además se vuelven a abrir la sala a las residencias artísticas, a los encuentros con artistas (Meet the Artist) al igual que talleres y workshops y a dos producciones propias, una de ellas una coproducción internacional, surgida de su apuesta por tener dos artistas asociadas.

No enumeraré todos los espectáculos de la temporada que ya están en la web, pero sí de los nombres de los artistas que conforman su programación (algunos ya viejos conocidos de la sala): Oona Doherty, Núria Guiu, Sònia Gómez + David Climent + Pere Jou, Federica Porello, Pol Jiménez, Sol Escobar, Christos Papadopoulos / Leon and Wolf Dance Company, Chiara Versani, Teatro Praga, Aina Alegre, Raquel Gualtero, Clara Furey + Peter Jasko, Albert Arribas + Francesc Cuéllar y Arno Schuitemaker.



Una de las maneras de tener más presencia es contar con fuertes colaboradores, y en esta temporada se vuelve a apostar por la Casa Grande de la Danza, el Mercat de les Flors de cuya colaboración, la Sala Hiroshima puede abrir la temporada con Hope Hunt & The Ascension into Lazarus de la joven coreógrafa de Irlanda del Norte Oona Doherty que ha sorprendido en festivales de media Europa a crítica y público. Doherty evoca el estereotipo de hombre joven de los barrios deprimidos de Irlanda del Norte.

Los principales ejes temáticos de la temporada 2018-19 siguen siendo las perspectivas de género con piezas como La Oscilante de Pol Jiménez que cuestiona y desdibuja los límites de los roles mujer-hombre en la danza folklórica española. También se celebrará la diferencia con propuestas como la de Aina Alegre o la de Chiara Bersani y la nostalgia estará muy presente en Before de los portugueses Teatro Praga.




Las artistas asociadas de esta temporada son Núria Guiu, que la Sala Hiroshima producirá su nueva propuesta, Espiritual Boyfriends, y se reprogramará su éxito Likes y Aina Alegre que estrenará La nuit nos autres que estará corproduida con la Dansa. Quinzena Metropolitana.



Otras de las colaboraciones importantes de la Sala Hiroshima son el Festival Salmon y Graner centre de creación, gracias a la cual se presentará Gentle unicorn de la italiana Chiara Bersani, un solo sobre la figura del unicornio desde su propia fisicalidad. Además volverá a participar en el festival IF Barcelona - Dramatúrgies de l'objecte y estrenará WeWood de Federica Porello que investiga sobre la danza y los objetos.



Además se presentarán dos artistas seleccionados por la plataforma europea Aerowaves en colaboración con el Mercat de les Flors, una de ellas es la ya mencionada Oona Doherty y el otro es el estreno a España de Opus de Christos Papadopoulos con la colaboración especial del ESMUC. Una pieza para cuatro intérpretes y una orquesta de cámara que parte del estudio de la estricta estructura y complejidad de la composición musical clásica.

Pero no todo es danza en la Sala Hiroshima, esta temporada la propuesta teatral es Before de Teatro Praga, una pequeña obra de la dramaturgia portuguesa que trata con ironía y humor el sentimiento de saudade, el anhelo de vuelta a un tiempo pasado, frente a un presente doloroso, que se percibe como glorioso. Una enfermedad que diagnostica siempre el final de una etapa.

Después de este pequeño recorrido por la programación, que si vais a la web es mucho más extensa, me pregunto, ¿quién es el dinosaurio ahora?



TEATRO | 70min | PAÍS VALENCIÀ
dramaturgia y dirección PAU PONS y JESÚS MUñOZ
intérpretes NATALYD ALTAMIRANO, RUBA BARUA, JESÚS MUñOZ, SEVERO OBIANG, PAU PONS y ZHAO HU
colaboración en la dramaturgia del movimiento DANIEL ABREU
música original PEDRO AZNAR 
ambiente sonoro PANCHI VIVÓ
fotografía JOSE IGNACIO DE JUAN
producción TEATRE ESCALANTE / DIPUTACIÓ DE VALENCIA

Hace dos ediciones de Fira Tàrrega que descubrí El Pont Flotant después de haber escuchado maravillas de todo tipo sobre ellos. En aquel El fill que vull tindre descubrí una dramaturgia que llevaba al espectador hacia el terreno de la emoción gratuita. Teatro comunitario que toma una anécdota y la repite incansablemente hacia la saciedad.

Soy partidaria de las segundas oportunidades, ya que una flor no fa estiu, decidí acercarme a descubrir Les 7 diferències. Y el resultado ha estado menos decepcionante que hace dos años pero no del todo satisfactorio. Se vuelve a repetir la historia de alargar las anécdotas, de caer en lo fácil, y de la emoción, en este caso la risa, excesivamente gratuita.

Dos valencianos, un chino, una peruana, una hindú y un guineano, y no no es un chiste, se reúnen para explicarnos y desmitificarnos sus culturas. A pesar de que hay un claro intento por no caer en los tópicos, el sólo hecho de abordarlos a través de la comicidad ya es un error que destapa la profunda ignorancia de quienes evitan tropezar para acabar cayendo en un agujero más hondo.

Parafraseando la frase que describe el espectáculo ("Sobre aquello que realmente separa y une a las personas"), realmente me separa mucho más de lo que me une con los espectáculos de El Pont Flotant. En mi caso, a la segunda va la vencida, ya he aprendido la lección. Aviso, no habrá tercera. 

LES 7 DIFERÈNCIES

by on 20:06
TEATRO | 70min | PAÍS VALENCIÀ dramaturgia y dirección PAU PONS y JESÚS MUñOZ intérpretes NATALYD ALTAMIRANO, RUBA BARUA, JESÚS MUñ...


DANZA-TEATRO | 70min | MÉXICO
dirección TAMARA CUBAS
creación ZUADD ATALA, ALICIA LAGUNA, TAMARA CUBAS y KANGA TRUJILLO
asistencia en la dramaturgia GABRIEL CALDERON
textos GABRIEL CALDERON, ZUADD ATALA, ALICIA LAGUNA, TAMARA CUBAS y AGEPE
producción IBERESCENA y TEATRO LÍNEA DE SOMBRA


En los años 90, el Bar La Brisa era considerado un lugar de resistencia cultural a Ciudad Juárez. Un buen día fue incendiado por unos vándalos. Desde entonces todo lo que allí pasaba está en paradero desconocido.

No todo lo que se escoge ver en una Fira/Festival de artes escénicas  obtiene el mismo resultado. Ésta pieza ha sido realmente el mayor fracaso de la Fira Tàrrega de 2018. Y es toda una lástima, porque el tema es lo suficientemente interesante que no es que dé para construir un espectáculo sino miles, pero la manera de exponerlo del Teatro Línea de Sombra es bastante cuestionable.

Dejando a un lado los numerosos problemas de sonido, el técnico de sonido tuvo un papel excesivamente protagonista para los oídos de los espectadores que decidimos quedarnos hasta el final, esperando que se obrase el milagro y pudiéramos rescatar algún momento de la pieza. Y a pesar de los momentos, en los que el espectáculo optaba, con acierto en acallar a las protagonistas, lo cierto es que los fallos de sonido no nos permitieron escucharlas cuando lo deberíamos haber hecho.

La sinopsis de la obra ya nos avisa que estamos delante de una locura, tan grande como querer "coreografiar el polvo", pero locura o no, la obra carece de un significado, demasiadas escenas y acciones inconexas, debajo del pitido incensante de los bafles, pero no uno ni dos, nunca había visto tantos juntos en un escenario teatral, al menos.

La interpretación es atona, con una entonación que provoca sueño al más despierto y que acaba por aburrir al más concentrado. La resistencia cultural de Ciudad Juárez se merece más que una noche con más pena que gloria en Fira Tàrrega.


LA BRISA

by on 19:38
DANZA-TEATRO | 70min | MÉXICO dirección TAMARA CUBAS creación ZUADD ATALA, ALICIA LAGUNA, TAMARA CUBAS y KANGA TRUJILLO asistenci...


DANZA | 40min | CATALUNYA
artistas BECKI PARKER y VERO CENDOYA
producción FIRA TÀRREGA y TIN ARTS

¿Cómo representar el autismo mediante la danza? Representar aquello que no vemos pero que existe, como los unicornios. El espectáculo salido de la colaboración con Stockton International Riverside Festival (UK) y Fira Tàrrega tiene una magia especial. Sus dos bailarinas casi no interactúan entre sí, ya que una de ellas, Becki Parker es autista y realmente la pieza muestra cómo es su mundo. 

Dos visiones del mismo tema, una más personal como la de Parker, que aunque hace sólo tres años que es consciente de su trastorno, nos dibuja cómo fueron sus años de niñez y adolescencia. A pesar de que físicamente, Parker no aparenta ni la mayoría de edad, para sorpresa de los presentes, afirma tener 30 años y una vida totalmente ″convencional″.

La visión de Vero Cendoya es la de una mirada externa y des acomplejada del trastorno. Si la pieza de Parker tira más de la emoción, y está llena de sensibilidad. La de Cendoya tira de sentido del humor en una danza libre que busca huir de cualquier estereotipo para desestigmatizar el autismo.

El resultado son dos piezas separadas con algunos breves toques, en forma de transiciones, donde ambas bailarinas comparten escenario. El coloquio posterior a la pieza, nos saca de dudas con respeto a qué hemos visto y el porqué está construida así. La mirada y la sonrisa de felicidad de Becki Parker mientras interpretaba su solo, llena de emoción, es memorable, de las cosas que se te queda grabada en la memoria.



TEATRO | 60min | CHILE
dirección PAULA AROS GHO
intérpretes MURIEL MIRANDA, CAROLINA DÍAZ, DANIELA JOFRÉ, SERGIO GILABERT y PATRICIO YOVANE
música DANIELMARABOLÍ
fotografía JORGE SÁNCHEZ

¿Cuánto tiempo hace que no envías una carta (escrita de tu puño y letra? ¿Y cuándo fue la última vez que recibiste una? Este montaje nos desvelará algunas misivas de personajes históricos conocidos, mientras nos interroga porqué con lo bonito que es escribir una carta se ha perdido la costumbre de hacerlo, de la misma manera que las lenguas en las que fueron escritas las primeras misivas (griego clásico y latín) también han desaparecido.

Con dos grandes escritorios antiguos como telón de fondo, los intérpretes leen e interpelan al público. En algunos momentos, el montaje pierde el ritmo, se confunde entre tantos dimes y diretes, pero es interesante ver cómo van adaptando el montaje según donde se vaya haciendo para no sólo conseguir un “cadaver exquisito” en cada ciudad sino para que la respuesta del público vaya acorde y se sienta totalmente integrado en la pieza para hacerla suya.

El museo de los aperos de labranza es el lugar ideal para la representación del espectáculo. Un lugar con historia para un montaje que tiene como eje central la mirada al pasado. Historias de amor como la de Frida y Diego, historias de guerra, historias donde la literatura está muy presente, Correo no es sólo una lectura de las cartas, una interpretación de las palabras, la puesta en escena es muy sugerente. Una especie de reunión clandestina para descubrir secretos pasados, para averiguar algo que no fue dicho en alto sino que sólo quedo reflejado en papel.

Las miradas de los intérpretes cuestionan al público y, quizás fuera culpa de haber visto una primera función, pero el ritmo sería conveniente que fuera más ágil, sin tantas fragmentaciones para que el espectador no se disperse mirando hacia el de al lado. Aunque, en las actividades participativas en grupo pueda resultar difícil mantenerlo, se tendría que encontrar la manera de que los más lentos se acoplaran a él.

Y sí, a la salida te dan ganas de empezar a escribir cartas como una loca, pero abres el móvil y descubres que tienes un millar de notificaciones de email y de redes sociales. Más práctico y rápido pero ni rastro de romanticismo.

CORREO

by on 15:40
TEATRO | 60min | CHILE dirección PAULA AROS GHO intérpretes MURIEL MIRANDA, CAROLINA DÍAZ, DANIELA JOFRÉ, SERGIO GILABERT y PATRICI...