compañía LA KOMPANYIA LLIURE
dramaturgia y dirección PABLO MESSIEZ
traducción al catalán MARC ARTIGAU
intérpretes JOAN AMARGÓS, QUIM ÁVILA, CLÀUDIA BENITO, RAQUEL FERRI, EDUARDO LLOVERAS, ANDREA ROS, JOAN SOLÉ y JÚLIA TRUYOL
duración 1h 45min
fotografías ROS RIBAS
producción TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Siempre es una buena noticia leer "dramaturgia y dirección" de Pablo Messiez. Este dramaturgo argentino afincado en Madrid consiguió cautivarme con su montaje Los ojos y que desde entonces es de obligada asistencia a cada uno de los montajes de los que hemos podido disfrutar en Barcelona.

Messiez conjuga sus dramaturgias el realismo mágico, con un toque bastante costumbrista. El temps que estiguem junts es uno de sus ejemplos más evidentes de este género. Con una narrativa más típica del cine que del teatro, donde las acciones se superponen unas a otras, y el espectador ha de reconstruir el puzzle entre tanta diversidad temporal y espacial.



Si hay una cosa que domina Messiez es captar la atención del público desde el inicio y aquí nos vuelve a sorprender con una entrada de personajes excelsa. Y desde el inicio dos historias paralelas, los inicios de convivencia de una pareja y la reunión de amigos tras varias pérdidas. 

El temps que estiguem junts es la primera vez que todos los miembros de la compañía están juntos y solos en el mismo montaje. Es el primer pulso con el público. Y aquí es donde el montaje empieza a tambalearse. En esta generación de Kompanyia las diferencias son más notables que en la pasada. Hay una clara descompensación de interpretaciones, y este montaje lo pone de manifiesto.



Hay actores de la Kompanyia que traían una maleta de tablas impresionante antes de entrar y en este montaje se pone de manifiesto. Es el caso de Júlia Truyol y Clàudia Benito que brillan por encima del resto de sus compañeros. Pero, sin duda, el gran descubrimiento de esta Kompanyia ha sido Raquel Ferri. Nit de Reis (o el que vulguis) supuso su lanzamiento y sigue la estela con uno de los personajes más complejos de El temps que estiguem junts.   

Impresionante la escenografía de Elisa Sanz que recrea a la perfección la sala de estar de esas casas de los años 60 y 70 en la intimidad del Espai Lliure. Cuidada la selección de los elementos que la componen y que otorga un áurea perfecta para subrayar el realismo mágico y el costumbrismo de la dramaturgia de Messiez. 



El ritmo de la obra es una de las contraindicaciones del montaje. En este aspecto El temps que estiguem junts recuerda algunos dramas de Chéjov donde el devenir de la existencia no tiene fin y los personajes ven, sobre todo, la vida pasar.

Y quizás a causa de este ritmo se acaba cayendo en un melodrama exagerado en algunos personajes que convierten la afectación en la característica principal de su interpretación. Se agradece, pero, el pequeño homenaje a Sarah Kane. Sin duda, El temps que estiguem junts no será lo mejor de Pablo Messiez pero es suficiente para una primera inmersión en su  particular universo.



texto y dirección FABRICE MURGIA
adaptación BORJA ORTIZ DE GONDRA
intérpretes OLIVIA DELCÁN, ANDREA DE SAN JUAN y NACHO SÁNCHEZ
duración 1h 10min
fotografías LUZ SORIA
producción TEATRE LLIURE, THÉÂTRE NATIONAL DE WALLONIE-BRUXELLES y TEATROS DEL CANAL / ARTARA
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Si El mar no hi cap en una capsa de sabates es un viaje de vuelta a la infancia, aquí seguimos en esta etapa, más tendente hacia una adolescencia truncada. Nuestras pesadillas se harán realidad y aunque nuestra adolescencia haya sido una etapa complicada, nada comparado con la que tuvieron los protagonistas de La tristeza de los ogros.

La entrada a la sala es una entrada directa a la pesadilla. La voz principal de la obra nos recibe micrófono en mano sin parar de caminar de cameta en cameta, a un ritmo frenético, con la voz, de manual, a medio camino de entretumba y pesadilla y repitiendo una y otra vez el mismo tiempo. Todo ello bajo un manto espeso de humo. La sensación es terrorífica nada más empezar.

Durante esta ensoñación se vuelve una y otra vez al concepto de matar al padre, que se repetirá una y otra vez a lo largo del montaje. A pesar de la monstruosidad con la que resuenan algunas palabras de la historia de estos dos personajes, un secuestro dilatado en el tiempo y la preparación de una masacre, la inocencia (interrumpida) preside toda la pieza. Ya no sólo por el columpio en uno de los laterales de la escenografía, sino porque los personajes conservan un acento naif



Con una escenografía funcional, nada revolucionaria. Los personajes, Laeticia y Bastián, encerrados en dos especie de peceras mientras que la voz narrativa sigue dando tumbos en modo frenético por el escenario. Proyecciones para dar protagonismo a las dos historias y un espacio sonoro acorde al ambiente de pesadilla.

A las interpretaciones les falta alzar el vuelo. Tanto la de Olivia Declán, Laeticia, como la de Nacho Sánchez, Bastián, no llegan a transmitir la desesperación de uno y otro, parece que han dejado que el personaje pase sin que ni siquiera les toque. Andrea de San Juan consigue imponer su voz y despertar al público del letargo en las escenas en las que no participa. Es la viva imagen de una infancia rota y eterna.



El problema más grande en el que acaba cayendo el montaje es una grave banalización de la historias narradas. Se banaliza la muerte, la violencia y se trivializa en exceso con la vida. Y quizás, los ojos de un espectador más sensible a estos temas, le horrice más este esquema, que las propias palabras y atrocidades narradas. 


COMPANYIA EL MARTELL
dirección y dramaturgia LAIA ALSINA FERRER
intérpretes ANDREA ARTERO, CRISTINA ARENAS, MARTÍ SALVAT y TONI GUILLEMAT
duración 75min
fotografías AITOR RODERO
producción TEATRE TANTARANTANA y CIA EL MARTELL
TEATRE TANTARANTANA

Nos vamos de viaje a la infancia. Que las fotos promocionales estuvieran llenas de golosinas ya aventuraba este retorno. La Companyia El Martell nos devuelve a nuestra época de aulas, de castigos sin patio, de amigos inseparables con espectáculo que deja huella en la generación de los 80's-90's.

Cuatro personajes, dos chicas y dos chicos, como bien nos puntualizaría la Cristina si estuviera presente, nos devuelven aquellos tiempos donde el azúcar no estaba prohibido, todo se veía de color de rosa y lo peor que te podía pasar es que te castigaran sin patio, ¿o no?



Durante uno de estos castigos es cuando sucede la trama de esta comedia. La profesora de música, la Dolo, les ha dejado sin patio, pero no por ello la diversión desaparece. Delante de nuestras retinas jugaremos al pilla-pilla, a los tacos, cambiaremos cromos y cartas perfumadas y volveremos a soñar que somos las Spice Girls y haremos coreos con Wannabe

Los cuatro personajes son claramente identificables con algunos de nuestros amigos o "enemigos" de la infancia, e incluso se puede dar la sorpresa de ver un espejo en la mirada, palabras y acciones de alguno de ellos. Bien es cierto que dejamos de ver la edad real de Andrea Artero, Cristina Arenas, Martí Salvat y Toni Guillemat para ver personajes, la naturalidad de sus interpretaciones es aplastante.



Escenográficamente domina la desnudez. Carlota Masvidal y Gala Garrida apuestan por recrear una escena mitad clase mitad patio. Paredes decoradas de arriba a abajo con redes y cuatro sillas verdes, las famosas sillas verdes. La puesta en escena da mucha importancia a la potente iluminación de Ruben Taltavull que incide en intensificar los momentos más emotivos que de juego.

Un juego que se refuerza con uno de los elementos más característicos de la Companyia El Martell, la unión de teatro de texto y teatro físico, de movimiento. Una vez más, y sobre todo en la primera parte de la obra, muchas de las acciones son acompañadas de un elemento importante de teatro físico.



El mar no hi cap en una capsa de sabates tiene una ausencia destacada, el espacio sonoro. Nuestra infancia está repleta de canciones, de sonidos que se quedan fuera de este viaje de manera ciertamente inexplicable. La generación que pasó del mono al stereo de repente se queda en mute. Y no es que el montaje no lo requiera, más bien al contrario, algunos cambios de escena e incluso en algunas escenas concretas ayudaría a intensificar los actos, las palabras.  

Y antes de irme con la música a otra parte, salí de la sala con ganas de jugar, de volver a aquella época, de sacar la niña que llevo dentro, al menos por unas horas. ¡Ay, qué bonito es soñar!

ELLA
de LALI ÁLVAREZ
con IMMA COLOMER

NOMÉS UNA VEU
de LLÀTZER GARCIA
con IVAN BENET

SUPREMACISTES
de CRISTINA CLEMENTE
dirección MÒNICA BOFILL
con JÚLIA BARCELÓ y LAURA CONEJERO

CAPITÀ MANDRAKE
de CLÀUDIA CEDÓ
con ALEJANDRO BORDANOVE y MIQUEL GELABERT

YOU SAY YOU WANT A REVOLUTION
de HELENA TORNERO
con AHMAD ALHAMSHO, ALICIA G. REYERO y MANAR TALJO

LA SOLITUD DE L'U
de SERGI BELBEL
dirección ISRAEL SOLÀ
con ALEJANDRO BORDANOVE y LAURA CONEJERO

Volvemos a ponernos en modo procés para encarar el segon vespre de dramaturgia entorno a este tema han realizado. En la segunda tanda no ha habido autoridades pero si algunas de las caras que nos encontramos el pasado lunes y otras nuevas.

Entramos a sala y nos encontramos antes de llegar a la platea con un recibimiento inesperado. Imma Colomer saluda a su público, casi uno por uno, no podíamos tener mejor anfitriona. Esto está a punto de empezar, aunque siempre hay algún rezagado.



Una silla, una mochila y varias bolsas ya nos indican que este no va ser el procés que nos imaginamos. Las dramaturgias de Lali Álvarez siempre ponen el dedo en la llaga y nos hace cuestionarnos la realidad. Una mujer mayor nos pide ayuda. Está a punto de ser deshauciada y necesita ayuda. Los paralelismos entre el proceso de desahucio y el proceso político son numerosos y significativos: la solidaridad, la idea de que los catalanes construimos todo entre todos, la negociación y la organización de la gente... Con luz o sin ella, Imma Colomer nos atrapa. Soberbio su papel, como lo es también el final del monólogo.

Como quien pasa página, Llàtzer Garcia comienza proyectando a Brecht mientras Ivan Benet se prepara para desgranar su monólogo, ya que su personaje no cree en el diálogo sino en la defensa de uno mismo. La historia transita alrededor de si poner una bandera o banderola en el balcón te hace pertenecer a un bando. Només una veu juega al mismo juego del texto de la semana pasada de Esteve Soler, Pàtria. En aquella ocasión, Soler cuestionaba el patriotismo de unos y de otros, aquí Llatzer cuestiona la democracia, la libertad y el amor por la patria, eso sí quizás sin forzar tanto la máquina, desde un punto de vista más filosófico.

Volvemos al diálogo con Supremacistes de Cristina Climente, dirigida por Mònica Bofill, donde Júlia Barceló y Laura Conejero interpretan a dos profesoras de primaria, un poco bastante obsesionadas con el procés, los unionistas y el independentismo. En la misma línea que la semana pasada apuntaba Marc Artigau en La Peixera, Clemente fuerza la situación obsesiva hasta convertirla en víctimas y verdugos de la que ellas denuncian. Sin duda, es la pieza más cómica de toda la velada y asistimos a un repaso de odios unionistas de campeonato. Sin duda uno de los aciertos es el ritmo de lectura, con unas Júlia Barceló y Laura Conejero sensacionales. Prueba de ello, los vítores en modo de aplausos.

Del realismo del día a día, pasamos a la dramaturgia de la Claudia Cedó que opta por la sátira y por alejarnos de Catalunya y nos hace viajar a un país inventado en Capità Mandrake, con una zona que se quiere independizar, Branceslavia. Miquel Gelabert interpreta a un presidente en horas bajas, aferrado a su silla (de ruedas) y con un asesor (Alejandro Bordanove) que le pone al día de las decisiones que debe tomar, tapar la corrupción con una cortina de humo y odio hacía esta parte del país utilizando a la población y a los medios de comunicación para ello. Me viene sonando que dicen.

Dejamos los mundos inventados y nos ponemos revolucionarios a golpe de notas de Revolution de The Beatles. Una pija, una revolucionaria (de las de antes) y un inmigrante ponen voz a las numerosas personas que asisten a las manifestaciones pro independencia. Helena Tornero se remonta al 1967 para explicarnos qué es una revolución y cómo de diferente se ve desde los ojos de los que normalmente no se revolucionan por nada (la pija), aquellos que lo llevan haciendo desde siempre y por cualquier injusticia y aquellos que nacieron con la revolución incorporada y casi dan la vida por ella (inmigrante, de Siria).

Sergi Belbel, dirigido por Israel Solà, cierra el ciclo con una dramaturgia que narra los sentimientos de una señora mayor (Laura Conejero) instantes antes de ser golpeada por un piolín (Alejandro Bordanove). Mientras que el policía alude a El jovencito Frankestein para comenzar a describir sus sentimientos, la mujer hará lo propio con Star Wars y Darth Vader. Un reflejo del odio inexplicable el que le han inculcado a este agente de la ley que por mucho que esta mujer le recuerde a su madre y por mucho dudas que le provoque su acto, al final actuará y se sentirá héroe de una democracia que no existe. Además de los sentimientos de uno y de otro, lo más significativo de la pieza es la verborrea increíble del personaje de Laura Conejero. Atónitos delante de tal manera de leer e interpretar a una velocidad de crucero. Sin respiración. Tanto o más aún que el golpe.

Cierre brillante, fuera de la sala nos volvemos a encontrar con la realidad de los desahucios, para un experimento dramatúrgico de lo más enriquecedor. Una bocanada de aire fresco y de la realidad más inmediata. La vida sigue, por suerte, dentro y fuera de un teatro. 

EN PROCÉS 2

by on 22:05
ELLA de LALI ÁLVAREZ con IMMA COLOMER NOMÉS UNA VEU de LLÀTZER GARCIA con IVAN BENET SUPREMACISTES de CRISTINA CL...

dramaturgia y dirección MATÍAS MARTÍNEZ
intérprete MIGUEL BOSCO 
producción COMPAÑÍA SOCIEDAD SECRETA DE LA ACTUACIÓN
duración: 50min
LA BADABADOC

Últimamente La Badabadoc se está convirtiendo en mi segunda casa. Me encanta su trato con el espectador y la atmósfera familiar. Pero como en todas las familias, a veces no te llevas de la misma manera con todo el mundo. 

Huelga decir que Horacio Amigo de Hamlet no es el tipo de espectáculo que define a la sala. Los asiduos estamos acostumbrados a un nivel de actuación superior, por eso quizás la decepción de esta semana no era esperada. Sin duda no es ni mucho menos culpa de la sala o de su programadora, es uno de esos espectáculos que viendo el tráiler te imaginas otra cosa.

Horacio Amigo de Hamlet es un monólogo que tomando algunos pasajes de la obra original de Shakespeare los deconstruye hasta convertirlos en una especie de sátira. Uno de sus mayores problemas es que sus intentos de comedia son estériles porque no provoca ni la más mínima mueca de sonrisa. 

Aquí Horacio es el único superviviente de la tragedia y es por su boca por la que sentimos el resto de personajes. En su narración irá desmenuzando algunos de las constantes de la obra: la venganza por la traición,  el asesinato, el adulterio, la fuerza del mandato paterno, la transgresión de las leyes, etc.



El monólogo juega con el teatro de texto combinándolo con teatro de máscaras y con una importante presencia de la voz en off. Con una escena totalmente descubierta y vacía, Horacio Amigo de Hamlet deja que todo el peso recaiga en la interpretación pero ésta no tiene el nivel deseable en un montaje profesional. Miguel Blasco sobreactúa en exceso, la entonación no es la más correcta y su monólogo se vuelve plano y sin ritmo. Incluso por momentos resulta grotesco, mas aún cuando el lenguaje utilizado se vuelve rudo y cae en la más absoluta vulgaridad.

Desgraciadamente nada que ver con El Salvaje, el montaje que tanto celebré haber visto la semana pasada y que por cierto vuelve, en una breve estancia, el 3 y 4 de marzo. Parafraseando a Horacio: ¡Viva el teatro... pero del bueno!

HORACIO AMIGO DE HAMLET

by on 17:55
dramaturgia y dirección MATÍAS MARTÍNEZ intérprete MIGUEL BOSCO  producción COMPAÑÍA SOCIEDAD SECRETA DE LA ACTUACIÓN duración: 50...

creación de LA SUECA a partir de Chéjov
dirección CRISTINA CERVIÀ
intérpretes MAR CASAS, CLARA GARCÉS y MIREIA VALLÈS
duración 1h 10min
fotografía IGNASI R. RENOM
producción LA SUECA
TEATRE AKADÈMIA

Sobre el papel una obra protagonizada y dirigida por mujeres que retratan a las antiheroínas de Chéjov parece cuanto menos interesante. Revisar a personajes como Nina, Irina, Arkadina, Olga, Maixa, Sonia, Elena, Liubov, Varia, Anina... y trasladarlas a la realidad de las mujeres de hoy en día es sin duda una de los más aspectos más atrayentes del proyecto.

La manera de trabajar de la compañía de La Sueca es extraer el jugo, la esencia de los textos y jugar con ellos, con sus personajes, con los dilemas que proponen. Ese juego queda reflejado desde el inicio en escena. Las actrices/personajes salen y entran de escena. Se dirigen al público. No hay un lugar, más allá de los cambio de luz, que indique al espectador los límites de tanto juego.

Sin límites, sin nombres más allá de los mismos que las actrices, es entonces trabajo del espectador ir recomponiendo piezas, tomar al azar cada pedazo de texto y adjudicárselo mentalmente al personaje adecuado. High level.



Es bien cierto que los trazos característicos de las obras de Chéjov están presentes y quedan bien remarcados en el texto: objetivo Moscú, síndrome de posesión por los objetos materiales, sueños rotos, deseos incumplidos e imposibles, la crítica del teatro contemporáneo, el paso del tiempo, la falta de juventud, el trabajo visto como una obligación. A pesar de tanto drama, el montaje opta por tomarse la vida con filosofía y mirar el lado positivo de las cosas.

Desde su estreno el pasado otoño en el festival Temporada Alta, el montaje ha cambiado a una de sus actrices. Hecho que no sería relevante si no denotara una descompensación en las interpretaciones. En el inicio, la interpretación de Mar Casas, al jugar con el humor, está más controlada pero al profundizar en el montaje se ve abocada a forzar al límite y eso descomponga en exceso el conjunto. Por el contrario, Mireia Vallès, a la que le han tocado los papeles más duros consigue controlar el tono y gana en credibilidad. La luminosidad interpretativa corre a cargo de Clara Garcés, que quizás lo tenía más fácil ya que, por ejemplo, en el caso Irina, la luz vive en ella.



De la puesta en escena lo más sorprendente es el mosaico colorido del suelo que contrasta perfectamente con la tendencia a la oscuridad que desprenden los textos de Chéjov. Estos colores tan vivos le da una luminosidad al montaje y le quitan hierro al asunto. Es imposible dejar de mirarlo.

Els dies que vindran basa buena parte de su fuerza en el texto y deja más de lado la acción, cosa que se echa de menos. No hay duda que las palabras de Chéjov, aún hoy, siguen vigentes, pero el montaje necesita algo más que buenas palabras. Si podemos "deconstruir" el texto, adaptándolo a la dramaturgia actual, también podemos hacerlo con la puesta en escena, con el ritmo, con la acción...

El "egocentrismo" del texto pasa factura al montaje. A veces no hace falta incluir palabras y sólo basta con actuar. Un claro ejemplo, dentro del mismo montaje, es la escena donde las actrices enmudecen y la música y unos leves movimientos las convierten en "bailarinas de una caja de música". Es una pena que la música deje de sonar.  

ELS DIES QUE VINDRAN

by on 18:00
creación de LA SUECA a partir de Chéjov dirección CRISTINA CERVIÀ intérpretes MAR CASAS, CLARA GARCÉS y MIREIA VALLÈS duración 1h ...

PÀTRIA
de ESTEVE SOLER 
con ANDRES HERRERA y JORDI RICO

VIS-A-VIS
de VICTÒRIA SZPUNBERG
con TXELL BONET

LA PEIXERA
de MARC ARTIGAU
con JORDI RICO

TRAÏCIÓ
de MARTA GALÁN
con NÚRIA LLOANSI

CONSTITUCIÓ
de GUILLEM CLUA
con RAMON PUJOL y JAUME ULLED

Escribo esta crónica en caliente, nada más salir del teatro, cosa que habitualmente no hago, siempre dejo reposar sentimientos y pensamientos. Pero esta vez, algunos llevan reposando desde el fatídico 1 de octubre. Anuncio para que nadie se lleve a malentendidos que la crónica será bilingüe, un reflejo de como hablo, un reflejo de como soy. Es una licencia que me permito. Google os traducirá las palabras en catalán.

Asisto a la función de las 19h, abierta a prensa, autoridades y público. Lazos amarillos, muchos, pero también personas sin ellos. No problem. Aquí no se juzga quién lleva qué. Como cualquier función se apagan las luces y empieza el espectáculo.



Abre fuego Esteve Soler con Pàtria, una comedia surrealista que toma como base una anécdota, dos vecinos se disputan quien es más patriótico por temas tan banales como el tamaño de la bandera que cuelga de su balcón, la facilidad de lenguaje o la manera de caminar. Andrés Herrera y Jordi Rico están soberbios. Por su parte, la dramaturgia destila mala baba y una sonora crítica a los extremistas que ya se pueden ver en las obras de Soler.

Después de los aplausos se instala el silencio sepulcral. Surt a escena la Txell Bonet, dona de Jordi Cuixart, empresonant fa gairebé 4 mesos. El texto, Vis-a-vis, escrito por Victòria Szpunberg con la colaboración de la propia Txell es una docuficción de los hechos y de la vida de Bonet desde que su marido entra en prisión. El "personaje" interpretado por Txell se somete a un casting para interpretar a la dona del Jordi Cuixart. Por muchas veces que la haya escuchado narrar su día a día, y han sido unas cuantas, me sigo estremeciendo.

Después de una sonora ovación a ella y a su marido, nos sumergimos en las cargas policiales del 1 de octubre. Marc Artigau analiza lo sucedido a través de los días posteriores en un colegio de primaria en La Peixera. Cómo actuar a las preguntas de los alumnos, cómo explicarles la situación. El público se somete a la explicación de un profesor, Jordi Rico, del resultado de un ejercicio de creación libre para que los alumnos expresaran sus sentimientos ante lo acontecido. Sin duda el ejercicio le ha salido redondo a Artigau, con una moraleja, que a pesar de haber sido repetida mil veces a lo largo de la Historia, no nos cansamos de revisar.

El ejercicio de Marta Galán en Traïció es performático, con un texto excesivamente narrativo, que liga la violencia del 1 de octubre a otros hechos violentos históricos como la Segunda Guerra Mundial o la Revolución Rusa y lo engloba todo en la lucha por la virilidad. Violencia y masculinidad donde las mujeres ponen su cuerpo a l'ordre dels mascles. Simon Weil, Paul Valery o Ortega y Gasset se pasean entre vómitos, caretas y desparrames por el suelo.

Después de tanta reflexión llegó el momento de ponernos serios a leer la Constitució, en un inicio la Española de 1978 en català per Ramon Pujol, hasta que resuena, també en català, la Catalana de la República Catalana de 2017 (sic) vía Jaume Ulled. Guillem Clua enfrenta a las dos constituciones, primero de manera dialéctica y después no tan dialogante. Si es verdad que primero "golpea" Espanya, Catalunya no se quedará atrás. ¿Se puede dialogar contra una pared, con una persona que hace oídos sordos? Ahí queda la reflexión.

Sonora ovación final para todos y nos queda la segunda parte el lunes 19 de febrero. Conservamos las ganas de darnos un segundo baño de realidad. Mientras la vida sigue dilucidándose entre TN y TN. 


EN PROCÉS 1

by on 21:52
PÀTRIA de ESTEVE SOLER   con ANDRES HERRERA y JORDI RICO VIS-A-VIS de VICTÒRIA SZPUNBERG con TXELL BONET LA PEIXERA d...

de DANIELA FEIXAS
dirección RAMON SIMÓ
intérpretes TILDA ESPLUGA, ANNA GÜELL y DANIELA FEIXAS
duración 80min
fotografías Q-ARTS TEATRE
producción Q-ARS TEATRE y TEMPORADA ALTA
SALA MUNTANER

Daniela Feixas ha creado el Gregor Samsa de la identidad de género. En una especie de justicia poética, su personaje se convierte en todo aquello que odia, aquello que lucha por prohibir. Para los fervorosos creyentes, un día se acostó como un dios y se levantó con forma de demonio.

Simone obviamente bebe de Beauvoir, pero también de Kafka o incluso a veces hay ligeras pinceladas de Saint-Exupéry, además de ser un soplo y bofetada de realidad que podemos encontrar en cualquier noticiero. 



Simone es una comedia, con un humor negro, oscuro bien oscuro. La dramaturgia ha puesto su mirada en personajes rozan los estereotipos, por una parte: la clase alta más pudiente, conservadora, católica y con un tufo retrógrado y por otra la clase trabajadora, focalizada en el personaje que interpreta la propia Feixas, una prostituta de cuarenta años.

Además de la esperpéntica situación, Simone juega con el lenguaje a través del personaje de la Rosa, una hilarante Anna Güell, que a pesar de lidiar con un espejo excesivamente presente, consigue dibujar la mejor interpretación de la función. De su boca sale veneno. Sus réplicas son las que te ponen sobreaviso y al mismo tiempo de ser las que provocan mayores carcajadas por parte del público

Tilda Espluga da vida a este hombre convertido en mujer de la noche a la mañana, el ministro de justicia de un país al borde de la revolución por la aprobación de unas nuevas reglas morales. Su personaje, central en la trama, es el más disperso, toca demasiados asuntos y al final queda una extraña sensación de estar desdibujado en exceso, a pesar del excelente trabajo actoral por enderezarlo. Hay algo que no acaba de cuajar.



Además de la dirección, Ramon Simó vuelve a encargarse de la escenografía, en la cual todo el poder recae en un sofá. Pieza clave por su versatilidad y porque realmente aquí los que necesitan acaparar la atención (y lo consiguen) son el texto, la dramaturgia y el trabajo actoral.

El cóctel final es una mezcla de querer y quedarse a medias. Quizás se haya perdido en medio de la búsqueda excesiva de la sonrisa fácil, pero esta Simone debería haber forzado un poco más la máquina, la crítica con una buena dosis de mala leche y menos autocomplacencia.

SIMONE

by on 20:27
de DANIELA FEIXAS dirección RAMON SIMÓ intérpretes TILDA ESPLUGA, ANNA GÜELL y DANIELA FEIXAS duración 80min fotografías Q-ARTS ...

dramaturgia y dirección PABLO FINAMORE
dirección ROMÁN LAMAS
duración 55min
fotografías EVA MARTÍN NEBRERA
LA BADABADOC

Nada más entrar a la antesala nos sorprende encontrar Las Variaciones de Goldeberg de Bach, por aquello de que la música amansa las fieras. Aquí se va hablar de fieras en el plano más bestial de ellas.

Desde Argentina nos llega el multipremiado Pablo Finamore con El Salvaje, un monólogo que intenta explicar cómo el hombre acabó dejando su vida anodina y placentera para convertirse en bestia. Todo parece justificarse en la supervivencia.

Por la piel y sentimientos de Pablo pasa un sinfín de elementos que convierten la plácida existencia de los primeros seres humanos, a los que sólo les interesaba comer los frutos y vegetales que se iba encontrando por su camino, en auténticos cazadores, que justifican el arte de matar a una cuestión de elección vital.



Con una escenografía tan anodina como la vida de los primeros seres, un manto blanco en un intento por purificar la existencia, que acabará imaginariamente teñida de sangre con tanta bestialidad dialéctica.

La combinación de la potencia lingüística de crear imágenes y la de una importante dosis de fisicalidad hace que el espectador de la obra se sienta incómodo en su propio cuerpo. El Salvaje es aquel tipo de teatro que, más allá de un cuestionamiento simbólico, te deja el cuerpo hecho trizas. 



Personalmente venía de una semana de cuestionamiento total de la manera de alimentarnos, después del impactante reportaje en Salvados, y encontrarte la misma realidad salvaje, a otro nivel, no hace más que reafirmarnos en que no estamos en el camino correcto. 

El Salvaje expone los hechos, ahora es la vida de cada uno la que ofrecerá soluciones o no. De momento, sus palabras (llenas de brutales descripciones) seguirán resonando en nuestras cabecitas una vez que abandonemos la sala.

EL SALVAJE

by on 19:00
dramaturgia y dirección PABLO FINAMORE dirección ROMÁN LAMAS duración 55min fotografías EVA MARTÍN NEBRERA LA BADABADOC Nada...

creación, interpretación y dirección DAVEL PUENTE
duración 55min
fotografías LUX NIEVE
producción COMPAÑÍA DONDAVEL
LA BADABADOC

Tras cuatro años de investigación la compañía Dondavel nos presenta Le Fumiste, un viaje a través de la memoria lleno de magia, humor y poesía. Un espectáculo apto para toda la familia donde el intérprete nos hace viajar a su infancia, nos presenta a su familia y nos descubre sus sueños. 

Su propuesta teatral se basa en el teatro de objetos, el teatro gestual y algunos simples trucos de magia. Por el nombre, esperaba encontrarme la sala llena de humo nada más entrar, y quizás hubiera sido un buen inicio, ya que los diez primeros minutos del espectáculo es donde más se resiente.

Una vez superados, la magia y la melancolía se apoderan de la sala y el público queda atrapado hasta el final. Grandes y pequeños entran en una especie de hipnosis y se dejan convencer por lo que les va mostrando el maestro de ceremonias, Davel Puente. La imaginación es poderosa y ya no vemos ni jarrones ni tarros cuando estos cobran vida y se convierten en los personajes humanos del cuento.



Le Fumiste demuestra que las cosas simples con las que más gustan. Da igual la edad del espectador, la magia y los malabares les atrapan por igual. Es un espectáculo lleno de sensibilidad y melancolía. Todo un homenaje a la importancia de los abuelos en la infancia, y, por ende, en nuestra vida.

La intimidad de la sala Badabadoc es el lugar ideal para crear la atmósfera más idónea para que se desarrolle la magia de Le Fumiste. Pavel Puente nos ha dejado embelesados durante casi una hora y nos ha hecho partícipes de todo su universo mágico. Todo un placer.  

LE FUMISTE

by on 18:44
creación, interpretación y dirección DAVEL PUENTE duración 55min fotografías LUX NIEVE producción COMPAÑÍA DONDAVEL LA BADABADOC...